18.07 – 20.09.2025
OPENING 17.07.25 dalle ore/h 18.00
a cura di / curated by Barbara Boninsegna e / and Simone Frangi
con Giulia Crispiani e Golrokh Nafisi, Elizabeth A. Povinelli, Théophile Peris, Marcos Kueh, Adam Christensen con Tom Wheatley e David Aird
Undomesticated Ground è il terzo episodio di una trilogia di mostre collettive dedicate ai concetti formulati da Stacy Alaimo nella sua produzione teorica, che ha esordito nel 2023 con un primo episodio incentrato sulla nozione di naked word (parola nuda) che Alaimo impiega per qualificare il corpo in protesta e in solidarietà con altri agenti non umani e che si è sviluppata nel 2024 con un secondo episodio dedicato al concetto di material self (sé materiale) – con cui Alaimo esplora l’inedita vicinanza del corpo umano all’ambiente e una rinnovata comprensione, di tipo relazionale, dei concetti di “casa”, “rifugio” e di “abitare il mondo”. Il terzo episodio della trilogia prende spunto dal saggio Undomesticated Ground scritto da Alaimo nel 2000 con l’obiettivo di decostruire criticamente le prospettive teoriche e simboliche che hanno costruito – particolarmente in Occidente – un’idea di “natura” oggettificata, addomesticata e disponibile, da cui estrarre risorse materiali, simboliche e cognitive. In linea con le istanze di Alaimo, la mostra riunisce prospettive artistiche che sovvertono lo spazio deterministico di questa idea di “natura” e che reclamano la vita biologica – sia degli umani che di altri agenti non umani – come uno spazio indisciplinato e disobbediente, carico di possibilità politiche e immaginative. Uno spazio non neutro, romantizzato ma piuttosto attraversato da storie di colonialità (esterna ed interna), rotture ecologiche, assegnazioni di genere e razziali nonché suddivisioni di valore calcolate su basi economiche e di classe. La mostra si inserisce in questo solco, raccogliendo opere che interrogano le tassonomie imposte sia all’umano e più che al più-che-umano dalle imprese imperiali occidentali, dal capitalismo, dall’emergenza della proprietà privata come strumento di estrazione personalistica dalla terra nonché dall’organizzazione del suolo in virtù di un urbanismo antropocentrico.
Giulia Crispiani e Golrokh Nafisi –The city we imagine
Foyer – 30′
about the performance
La città che immaginiamo è la città che ricordiamo. È composta da ogni città in cui siamo mai state.
Nello spazio della presenza, abbiamo colto l’occasione per immaginare dove incontrarci la prossima volta. Nella torbida impossibilità che è la distanza, vorremmo costruire un momento per ritrovarci. Ci incontreremo in un pensiero, e lì cominceremo a ricostruire il nostro passato.
La città che immaginiamo è un’utopia che non viene dal futuro. Con tutte le sue incoerenze irrisolte e costantemente aggiornate, la sua mappa cambia rapidamente come un cielo nuvoloso. Quando temiamo i nostri nemici, troviamo rifugio nelle affinità.
Ciò che immaginiamo per un futuro, tra tutti i futuri possibili, è ciò che ricordiamo. In questa fantasia del passato, usiamo l’immaginazione come riferimento costante per costruire la città che desideriamo. (…) In questo lasso di tempo, dal crepuscolo al mattino seguente, abbiamo intrecciato le mappe e coperto virtualmente quella distanza che sembrava insormontabile, cercando di tradurre le lacune di significato in ogni lingua possibile, per tornare ancora una volta a ricordare la città prima di ogni assenza, separazione e distanza.Giulia Crispiani e Golrokh Nafisi si sono incontrate ad Amsterdam e sono diventate compagne a Teheran. Hanno lavorato insieme a (tra gli altri) A Manifesto Against Nostalgia (2019), The City We Imagine (2021) e al libro غم/Tristezza/Sorrow (Oreri, 2022).Golrokh Nafisi è illustratrice di libri per bambini, animatrice e creatrice di burattini, impegnata nella scena dell’arte concettuale contemporanea. Nelle sue opere affronta eventi quotidiani, le vite delle persone comuni e la politica delle società in cui vive.
Giulia Crispiani è editor, traduttrice, scrittrice e artista visiva con base a Roma. Collabora con NERO Editions, bruno, Dutch Art Institute, e insegna alla NABA (Roma).The city we imagine is the city we remember. It’s made up of every city we’ve ever been to.
In the space of presence, we have seized the opportunity to imagine where to meet up next time. In the murky impossibility that is distance, we would like to build a moment to meet up again. We shall meet in a thought, and there we shall begin to rebuild our past. The city we imagine is a utopia that doesn’t come from the future. With all its inconsistencies unresolved and constantly being updated, its map changes as rapidly as a cloudy sky. When we fear our enemies, we find shelter in affinities. What we imagine for a future, out of all the possible futures, is what we remember. In this past fantasy, we use this imagination as a constant reference for building the city we want. (…) In this time lapse, from dusk to the next morning, we have knotted together the maps and virtually covered that distance that seemed insurmountable, trying to translate the gaps in meaning into every possible language, in order to return once again to remembering the city before all absence, separation and distance.
Giulia Crispiani and Golrokh Nafisi have met in Amsterdam and became comrades in Tehran. They have worked together on (among others) A Manifesto Against Nostalgia (2019), The City We Imagine (2021), and the book غم/Tristezza/Sorrow (Oreri, 2022). Golrokh Nafisi is a children’s book illustrator, animator, and puppet maker engaged in the contemporary conceptual art scene. In her works, she covers daily events, lives of ordinary people, and the politics of the societies she lives in. Giulia Crispiani is an editor, translator, writer and visual artist based in Rome. She collaborates with NERO Editions, bruno, Dutch Art Institute, and teaches at NABA (Roma).
Performance concept and realization: Giulia Crispiani e Golrokh Nafisi | Music advice and field recording: Ahmadali Kadivar | Live Works fellowship 2020-2021.
loop
Elizabeth A. Povinelli – The Inheritance (film)
Forgia – 80′
about the film
The Inheritance è un saggio video in tre atti che esplora l’eredità come un accumulo di privazioni razziali e coloniali. Cercando di intervenire in ciò che Povinelli ha definito la contro-riforma bianca attuale del nativismo bianco, The Inheritance mette in discussione le idee e gli affetti legati alla storia, all’eredità e all’identità sociale, opponendoli alle sedimentazioni della supremazia bianca e del colonialismo dei coloni, attraverso una riscrittura delle storie di immigrazione raccontate alla giovane Elizabeth Povinelli dai suoi nonni. Carol Devane ha scritto che i “modi di identificazione e appartenenza in relazione a Karezol/Carisolo creano un’eredità intricata, ma una che è scomparsa dall’esperienza sociale mentre la famiglia è stata assorbita nei privilegi della bianchezza negli Stati Uniti, anche se quella assimilazione è stata talvolta difficile. La storia inquietante e vivida di questa famiglia offre una chiave di lettura per pensare criticamente alla posizione sociale, all’appartenenza legata al luogo e ai privilegi e alle punizioni che ne derivano.
Elizabeth A. Povinelli è titolare della cattedra Franz Boas di Antropologia e Studi di Genere alla Columbia University, dove è stata anche Direttrice dell’Institute for Research on Women and Gender e Co-Direttrice del Centre for the Study of Law and Culture. È inoltre Corresponding Fellow dell’Australian Academy of the Humanities e membro fondatore del Karrabing Film Collective. Il lavoro accademico di Povinelli si è concentrato sullo sviluppo di una teoria critica del liberalismo tardo coloniale e delle sue ripercussioni, elaborata attraverso otto monografie e numerosi saggi. Geontologies, A Requiem to Late Liberalism ha ricevuto il Lionel Trilling Award nel 2017. Ha esplorato tematiche simili in una serie di opere d’arte esposte in gallerie e musei, tra cui Prometeo Gallery a Milano, ar/ge gallery a Bolzano, la Biennale Gherdëina, MADRE a Napoli e Wiels a Bruxelles. Il suo film, The Inheritance, realizzato con Thomas Bartlett, è stato presentato in anteprima con Taxispalais, Innsbruck. Una serie dei suoi disegni, che reimmaginano la preistoria come una serie di sedimentazioni coloniali, ha fatto parte della riapertura del Museo delle Civiltà di Roma nel 2022. Con i suoi colleghi del Karrabing Film Collective, Povinelli ha partecipato a otto film premiati, tra i quali i premi includono il Visible Award del 2015 e il Eye Prize del 2021 dal Eye Filmmuseum di Amsterdam.
The Inheritance is a three-act video montage essay on inheritance as an accumulation of racial and settler dispossessions. Seeking to intervene in what Povinelli has called the current white counter-reformation of white nativism, The Inheritance pivots the ideas and affects of history, inheritance, and social identity against the sedimentations of white supremacy and settler colonialism through a retelling of the immigration stories told to the young Elizabeth Povinelli by her grandparents. Carol Devane has written that the “modes of identification and belonging in relation to Karezol/Carisolo create a tangled inheritance, but one that faded from social experience as the family became absorbed into the privileges of whiteness in the US, even as that assimilation was at times uneasy. The haunting and vivid story of this family offers an entrée for thinking critically about social location, place-based belonging, and the privileges and punishments therein.
Elizabeth A. Povinelli is Franz Boas Professor of Anthropology and Gender Studies at Columbia University, where she has also been the Director of the Institute for Research on Women and Gender and the Co-Director of the Centre for the Study of Law and Culture. She is also Corresponding Fellow of the Australian Academy of the Humanities and a founding member of the Karrabing Film Collective. Povinelli’s academic work has focused on developing a critical theory of settler late liberalism and its aftershocks, elaborated across eight monographs and numerous essays. Geontologies, A Requiem to Late Liberalism was the recipient of the 2017 Lionel Trilling Award. She has also explored similar thematics in a series of artworks shown in galleries and museums, including Prometeo Gallery, Milan, ar/ge gallery, Bolzano, the Biennale Gherdëina, MADRE Naples, and Wiels, Brussels. Her film, The Inheritance, made with Thomas Bartlett, premiered with Taxispalais, Innsbruck. A series of her drawings reimagining prehistory as a series of colonial sedimentations was part of the reopening of the Museo delle Civiltà, Rome, in 2022. With her Karrabing colleagues, Povinelli has also participated in eight award winning films, prizes of which include the 2015 Visible Award and the 2021 Eye Prize from the Eye Filmmuseum, Amsterdam.
Adam Christensen con Tom Wheatley e David Aird – concert
Sala Comando
about the concert
Nelle sue opere, Adam Christensen intreccia aneddoti biografici con momenti teatrali, sogni con traumi. Ne derivano performance, film, racconti brevi o lavori tessili toccanti e umoristici, impregnati di amore, desiderio, malinconia e perdita. Le opere di Christensen prendono avvio da esperienze personali, che vengono ampliate con elementi di finzione. I personaggi presenti in queste storie spaziano da adolescenti tormentati e ossessionati dal sesso a anti-eroine del cinema noir, fino a grandi dive di Hollywood che recitano in maniera esaltata i tratti del proprio ruolo archetipo.
Nei suoi video, performance e installazioni, Christensen mette in scena il domestico e il quotidiano come se fossero uno spettacolo.Adam Christensen (Londra) ha studiato al Goldsmiths College, University of London. Le sue mostre e performance sono state presentate a livello internazionale, tra cui: Hunt Kastner, Praga (2022), Rønnebæksholm, Næstved (2022), Kunstverein Harburger Bahnhof, Amburgo (2021), Den Frie, Copenaghen (2020), Futura, Praga (2020), Glasgow International, Glasgow (2020), Galeria Municipal do Porto, Porto (2020), Kunsthal Aarhus, Aarhus (2019), Goldsmiths CCA, Londra (2019), Camden Arts Centre, Londra (2019), Overgaden, Copenaghen (2018), Hayward Gallery, Londra (2018), Baltic Triennial 13, Vilnius/Tallinn/Riga (2018), KW, Berlino (2018), Raven Row, Londra (2017), The Roberts Institute of Art (2017), Hollybush Gardens, Londra (2017), OUTPOST Gallery, Norwich (2016), South London Gallery, Londra (2015), New Museum, New York City (2011).
Ha ricevuto i seguenti riconoscimenti: Inger Goldmanns Fond (2023), Aage og Yelva Nimbs Fond (2023), borsa triennale dello Statens Kunstfond (2021), Paul Hamlyn Award for Artists (2019).David Aird, alias Vindicatrix, è un produttore, cantante e polistrumentista che lavora principalmente con l’elettronica, ma incorpora anche improvvisazioni vocali istrioniche, crooning malinconico e composizioni per ensemble da camera. Le sue pubblicazioni precedenti sono uscite con Mordant Music, Scum Yr Earth, purge.xxx e Cellule75. Tom Wheatley è un artista e musicista con base a Londra. Il suo lavoro si concentra su schemi, ritmi e cicli, all’interfaccia tra le dimensioni fisiche e digitali. I suoi progetti includono Tennota con Grundik Kasyansky, Vesta Payne con Sarah Hartnett e Cast-On con Ilana Blumberg. Collabora inoltre strettamente con Daniel Blumberg e Adam Christensen.
In his works, Adam Christensen interweaves biographical anecdotes with theatrical moments and dreams with traumas. This results in stirring and humorous performances, films, short stories or fabric works that are infused with love, desire, melancholy and loss. Christensen’s works take their starting point in personal experiences, which he expands upon with fictional elements. The characters appearing in these stories range from angst-ridden and sex-obsessed teenagers to film noir antiheroines to great Hollywood divas acting exalted with the attributes of their own archetypal role. In his videos, performances, and installations, Christensen stages the domestic and the everyday as a spectacle.
Adam Christensen (lives and works in London) studied at Goldsmiths College, University of London. His exhibitions and performances have been shown internationally; including Hunt kastner, Prague (2022), Rønnebæksholm, Næstved (2022), Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg (2021), Den Frie, København (2020), Futura, Prague (2020), Glasgow International, Glasgow (2020), Galeria Municipal do Porto, Porto (2020), Kunsthal Aarhus, Aarhus (2019), Goldsmiths CCA, London (2019), Camden Arts Centre, London (2019), Overgaden, Copenhangen (2018), Hayward Gallery, London (2018), Baltic Triennial 13, Vilnius/Tallinn/Riga, (2018), KW, Berlin (2018), Raven Row, London (2017), The Roberts Institute of Art (2017), Hollybush Gardens, London (2017), OUTPOST Gallery, Norwich (2016), South London Gallery, London (2015), New Museum, Νew York City (2011). He is the recipient of Inger Goldmanns Fond (2023), Aage og Yelva Nimbs Fond (2023), Statens Kunstfonds treårige arbejdslegat (2021), Paul Hamlyn Award for Artists (2019).
David Aird aka Vindicatrix is a producer, singer and multi-instrumentalist, working mostly with electronics but also incorporating histrionic vocal improvisation, maudlin crooning, and composition for chamber ensemble. Previous releases can be found on Mordant Music, Scum Yr Earth, purge.xxx and Cellule75.
Tom Wheatley is an artist and musician based in London. His work is patterns, rhythms and cycles, at an interface of physical and digital zones. His projects are Tennota with Grundik Kasyansky, Vesta Payne with Sarah Hartnett and Cast-On with Ilana Blumberg. He also works closely with Daniel Blumberg and Adam Christensen.
WORKSHOP SERIES
SABATO 19, DOMENICA 20 luglio – SATURDAY 19, SUNDAY 20 July
ore/h 10.00 – 13.00
Théophile Peris – wool waulking
Parco
Il workshop sarà tenuto in lingua inglese con traduzione simultanea in italiano.
about the workshop
Durante il laboratorio utilizzeremo strumenti e tecniche tradizionali per creare formati collettivi in feltro, realizzati con lana grezza non sbiancata, naturalmente bianca e marrone, proveniente dalle montagne circostanti. Il processo si articolerà in diverse fasi: cardatura, disegno, infeltrimento, bagnatura, arrotolamento, follatura e asciugatura. I manufatti ottenuti saranno tappeti per il riposo e la contemplazione. Potranno poi essere utilizzati dalle visitatrici e dai visitatori del centro d’arte.
Théophile Peris vive e lavora in Francia, tra Moncrabeau e Marsiglia. Si è laureato all’École Européenne Supérieure de l’Image nel 2021. Da quando ha conseguito la laurea, ha partecipato a residenze artistiche nella regione delle Hautes-Alpes in Francia, e a residenze di ricerca in luoghi come Le Confort Moderne a Poitiers e il Centre International d’Art et du Paysage de l’île de Vassivière. Il suo lavoro è stato esposto alla MABA a Nogent-sur-Marne, al Salon de Montrouge, al Centre d’Art Plastique de la Ville de Saint-Fons, alla Galerie Raymond Hains a Saint Brieuc e al MUCEM di Marsiglia.
During the workshop we will use traditional tools and techniques to create collective felt formats made from raw unbleached, naturally white and brown wool from the surrounding mountains. There will be a series of steps: carding, drawing, flocking, soaking, rolling, fulling and drying. These pieces will be carpets for rest and contemplation. They can then be used by visitors to the art centre.
Théophile Peris lives and works in France, between Moncrabeau an Marseille. He graduated from the Ecole Européenne Supérieure del’Image in 2021. Since graduating, he has been doing residencies in the Hautes-Alpes region of France, and research residencies in places such as Le Confort Moderne at Poitiers or the Centre International d’Art et du Paysage de l’île de Vassivière. His work is exhibited at MABA in Nogent-sur-Marnes, Salon de Montrouge, Centre d’Art Plastique de la Ville de Saint-Fons, Galerie Raymond Hains in Saint Brieuc and MUCEM in Marseille.
SABATO 19, DOMENICA 20 luglio – SATURDAY 19, SUNDAY 20 JULY
ore/h 14.00 – 17.00
Giulia Crispiani e Golrokh Nafisi – green, red and black
Foyer
Il workshop sarà tenuto in lingua inglese con traduzione simultanea in italiano.
about the workshop
Insieme ai tre colori—verde, rosso e nero—creeremo bandiere e striscioni per la rivoluzione, da portare con noi ad ogni protesta. Tessuto e pittura sono i nostri strumenti, mentre ci riuniamo per realizzare una mappa comune, bandiere collettive e slogan condivisi.
Insieme, riconosceremo come tutte le lotte siano intrecciate, e come possiamo rivolgere lo sguardo verso un orizzonte comune—dai fiumi ai mari, oltre i confini coloniali.
Un orizzonte che ci libererà tuttə attraverso la liberazione della Palestina.Giulia Crispiani e Golrokh Nafisi si sono incontrate ad Amsterdam e sono diventate compagne a Teheran. Hanno lavorato insieme a (tra gli altri) A Manifesto Against Nostalgia (2019), The City We Imagine (2021) e al libro غم/Tristezza/Sorrow (Oreri, 2022).Golrokh Nafisi è illustratrice di libri per bambini, animatrice e creatrice di burattini, impegnata nella scena dell’arte concettuale contemporanea. Nelle sue opere affronta eventi quotidiani, le vite delle persone comuni e la politica delle società in cui vive.
Giulia Crispiani è editor, traduttrice, scrittrice e artista visiva con base a Roma. Collabora con NERO Editions, bruno, Dutch Art Institute, e insegna alla NABA (Roma).Together with the three colors—green, red, and black—we will create flags and banners for the revolution, to carry with us to every protest. Fabric and paint are our tools, as we come together to make a common map, collective flags, and shared slogans. Together, we will recognize how all struggles are intertwined, and how we can direct our gaze toward a shared horizon—from the rivers to the seas, beyond colonial borders. A horizon that will liberate all of us through the liberation of Palestine.
Giulia Crispiani and Golrokh Nafisi have met in Amsterdam and became comrades in Tehran. They have worked together on (among others) A Manifesto Against Nostalgia (2019), The City We Imagine (2021), and the book غم/Tristezza/Sorrow (Oreri, 2022).Golrokh Nafisi is a children’s book illustrator, animator, and puppet maker engaged in the contemporary conceptual art scene. In her works, she covers daily events, lives of ordinary people, and the politics of the societies she lives in.
Giulia Crispiani is an editor, translator, writer and visual artist based in Rome. She collaborates with NERO Editions, bruno, Dutch Art Institute, and teaches at NABA (Roma).