PROGRAM

Roma Futurism è un concetto sviluppato da Mihaela Drăgan durante la sua residenza presso il centro d’arte ParaSite di Hong Kong nel 2018 e che fa riferimento all’estetica culturale che esplora l’intersezione della cultura e della storia dei Rom con la tecnologia e la stregoneria. L’identificazione con la figura della strega è di per sé un atto politico femminista e Mihaela Drăgan è interessata a concepire un nuovo linguaggio rituale che abbia il potere di guarire e potenziare le femministe e le comunità razzializzate. Adatta e riscrive incantesimi raccolti da streghe rom e li combina con la poesia di un discorso femminista o scrive nuovi incantesimi che chiedono un futuro sicuro per le nostre comunità.
Il workshop si concentrerà sull’introduzione del Roma Futurism ai partecipanti, seguita da esercizi di scrittura creativa. I partecipanti svilupperanno incantesimi, maledizioni e testi di guarigione che reclameranno e proietteranno un futuro femminista e renderanno i nostri discorsi politici più accessibili attraverso la cornice di un linguaggio stregonesco contemporaneo.

Roma Futurism is a concept developed by Mihaela Dragan during her residency at ParaSite art center in Hong Kong in 2018 that is referring to the cultural aesthetic that explores the developing intersection of Roma culture and history with technology and witchcraft. Identifying with the figure of the witch is a political feminist act by itself and Mihaela Dragan is interested in conceiving a new ritualistic language that holds the power to heal and empower feminists and racialized communities. She adapts and rewrites spells collected from Roma witches and combines them with the poetry of a feminist discourse or writes new spells that call for a safe future for our communities.
The workshop will focus on the introduction of Roma futurism to the participants, followed by exercises of creative writing. The participants will develop spells, cursing and healing texts which will reclaim and project a feminist future and will make our political discourses more accessible through the frame of a contemporary witchery language.

Mihaela Drăgan is a multidisciplinary artist with an education in theatre who lives in Bucharest and works in several other countries. In 2014, she founded Giuvlipen Theatre Company, for which she is an actress and playwright, together with other Roma actresses.
She was one of the six finalists for the 2017 New York Gilder/Coigney International Theatre Award, which acknowledges the exceptional theatre work of 20 women around the world. In 2020 she was once again nominated for this award, and she was a recipient of the Special Award of the League. 
In 2018, Drăgan was a resident artist in Hong Kong at Para Site Contemporary Art Centre, where she developed Roma Futurism – a project that lies at the intersections of Roma culture, technology and witchcraft. Her performance Roma Futurism has been showcased in art spaces, such as the Museum of Contemporary Art (Belgrade), FutuRoma (a collateral exhibition at the Venice Biennale), the Critical Romani Studies conference (Central European University, Budapest) and the Romanian Cultural Institute (London).
She was acknowledged by PEN World Voices International Play Festival (New York, 2018) as one of the ten most respected dramatists in the world.
In 2019, was one of the playwrights selected for the acclaimed Royal Court Theatre International Summer Residency in London, where she wrote a science fiction play about a utopian society of Roma witches who control technology and fight neo-fascist politics in Europe. In 2021, she exhibited her first video installation Future is a safe place hidden in my braids, a work divided into three short films that depict futuristic rituals for healing the transgenerational trauma of Roma people, whilst projecting a safe future for the community.
In 2022, together with Niko G. is releasing the first feminist trap music album from Romania – ”Techno Witches”.

Autrice, attivista e pensatrice estremamente poliedrica e visionaria, di Françoise d’Eaubonne (Parigi 1920-2005) si potrebbe raccontare molto. Intersezionalista della prima ora, figura tra le prime militanti del Mouvement de libération des femmes (MLF, 1970), ha partecipato alla fondazione del Front homosexuel d’action révolutionnaire (FHAR, 1971), è stata pioniera della lotta al nucleare, sostenitrice della causa anticarceraria, studiosa delle società preagricole e, non da ultimo, ha scritto più di 100 libri. Ma, soprattutto, ha gettato le basi di quello che potrebbe rappresentare uno degli approcci – teorici e pratici – più fruttuosi per leggere e affrontare la crisi sociale e ambientale contemporanea: l’ecofemminismo, termine da lei stessa coniato nel 1974 in Il femminismo o la morte. Perché, allora, Françoise d’Eaubonne è perlopiù sconosciuta in Italia e in Europa ed è stata fino a tempi recentissimi lasciata da parte nella stessa Francia? Perché e in che misura ha senso, oggi, riscoprire e reinterpretare il suo pensiero e seguire le sue orme, alla luce dei decenni che sono passati?

Sara Marchesi è di formazione architetta e teorica dell’arte ed è attualmente dottoranda in filosofia presso l’Università di Trento con un progetto di ricerca su etica ecologica ed ecofemminismo. 

An extremely multifaceted and visionary author, activist and thinker: there is much that could be said about Françoise d’Eaubonne (Paris 1920-2005). An early intersectionalist, one of the first militants of the Mouvement de libération des femmes (MLF, 1970), she participated in the founding of the Front homosexuel d’action révolutionnaire (FHAR, 1971), she was a pioneer of the nuclear struggle, an advocate of the anti-prison cause, a scholar of pre-agricultural societies and, last but not least, wrote more than 100 books. Above all, she laid the groundwork for what may be one of the most fruitful approaches – theoretical and practical – to read and address the contemporary social and environmental crisis: ecofeminism, a term she herself coined in 1974 in Feminism or Death. Why, then, is Françoise d’Eaubonne largely unknown in Italy and Europe and has until very recently been left aside even in France? Why and to what extent should we rediscover and reinterpret her thought today, and follow her footsteps, in the light of the decades that have passed?

Sara Marchesi is an architect and art theorist. She has been working in non-fiction publishing for several years as an editor, translator and series director. She is also currently a doctoral student in philosophy at the University of Trento with a research project on ecological ethics and ecofeminism. In 2022, she translated and edited the first Italian edition of a text by Françoise d’Eaubonne (Il femminismo o la morte. Il manifesto dell’ecofemminismo – “Feminism or Death. The manifesto of ecofeminism”, Prospero Editore, Milan, 2022).

Nel marzo 2020 un’immagine nitida e chiara mi è apparsa nella testa: un gruppo di bambini con disabilità nel bosco, di notte. E’ un’immagine che mi fa paura, ma allo stesso tempo mi pone domande che cercando costantemente una risposta.
Ho letto un libro molto importante per me: Le porte del paradiso di Jerzy Andrejewski. Una crociata dei bambini e bambine alle prese con i primi innamoramenti e le prime relazioni di amicizia, alleanza, di dolore.
Da tutto questo è nata poi la mia ricerca che ora è uno spettacolo dal titolo SOTTOBOSCO.
Con Giulia Traversi, promozione, drammaturgia e cura dei miei lavori e Lemmo, musicista dell’opera, abbiamo deciso di lavorare, per quasi due anni, sulla relazione tra disabilità e natura.
Vorrei condividere in questo workshop la parte teorica e pratica di questi giorni tra natura e sala prove, tra felicità della condivisione e una costante relazione con la paura, il pericolo, l’impossibile.
Cos’è davvero accessibile a tutti i corpi?
La natura è un luogo sicuro. Per chi?
Durante i mesi di pandemia per chi lo è stato?
Camminare insieme nel bosco è un atto rivoluzionario.

In March 2020, a sharp and clear image appeared in my head: a group of children with disabilities in the woods at night. It is an image that frightens me, but at the same time poses questions that I am constantly seeking an answer to.
I read a very important book for me: The Gates of Paradise by Jerzy Andrejewski. A crusade of boys and girls grappling with their first falls in love and first relationships of friendship, alliance and pain.
Out of all this came my research, which is now a performance entitled SOTTOBOSCO.
Giulia Traversi took care with me of the promotion, dramaturgy and curation of my work.With the work’s musician Lemmo we decided to work for almost two years on the relationship between disability and nature.
In this workshopI I would like to share the theoretical and practical part of these days between nature and the rehearsal room, between the happiness of sharing and a constant relationship with fear, danger, the impossible.
What is really accessible to all bodies?
Nature is a safe place. For whom?
During the months of pandemic for whom?
Walking together in the woods is a revolutionary act.

Bologna St.173, è un progetto iniziato nel 2021 che riattiva la memoria personale, l’archivio storico e iconografico dei Congressi e Festival Eritrei che si sono tenuti a Bologna ininterrottamente dal 1972 al 1991. Frequentati dalle comunità diasporiche eritree provenienti da tutto il mondo, questi Festival si sono collocati in prima linea per supportare la lotta armata inaugurata nel 1961 per l’Indipendenza dell’Eritrea dall’Etiopia.
Per le giornate di Feminist Futures a Fies Muna Mussie in dialogo con Zasha Colah svilupperanno un racconto attorno all’elemento festoso e ludico che ha connotato questi eventi, portando l’attenzione sul potere che rappresenta una comunità, la quale unendosi pacificamente, genera una forma di resistenza, capace di incidere altresì al raggiungimento della liberazione dall’oppressore.

The project Bologna St.173 began in 2021 to reactivate the personal memory, historical and iconographic archives of the Eritrean Congresses and Festivals held in Bologna non-stop from 1972 to 1991. Attended by Eritrean diasporic communities worldwide, these Festivals were at the forefront of the armed struggle that started in 1961 for the Independence of Eritrea from Ethiopia.
For Feminist Future, Muna Mussie -in dialogue with Zasha Colah- will develop a narrative around the festiveness and playfulness that characterised these events, bringing attention to the power embodied by a community which, by uniting peacefully, creates a form of resistance, capable of influencing even the achievement of liberation from the oppressor.

[2° inverno di pandemia – inizio campagna vaccinale italiana. A causa di una mancanza di linee guida nazionali sulle categorie prioritarie da vaccinare, le regioni iniziarono a muoversi autonomamente ponendo professionisti/e della giustizia, giornalisti/e, politici/e (…) come prioritari rispetto alle persone fragili e vulnerabili]

No, non c’è alleanza tra i corpi ora. È calato il silenzio nelle ossa, le pieghe delle articolazioni creano grotte cave. Toccarti è sovversivo, fare l’amore è carbonaro e a chiunque mi chieda una parola di conforto io riservo lo sguardo più feroce. No, non c’è alleanza e non c’è conforto. Non posso essere culla accogliente perché mi avete resa selvatica. (Chiara Bersani)
Un gruppo di bambini e bambine con disabilità si perde nel bosco. O forse sono stati abbandonati. Forse inseguivano un amore. Forse il bosco, un giorno, è semplicemente cresciuto attorno a loro. Cosa potrebbe accadere? Cosa ne sarà dei loro corpi? Cosa dei loro cuori? Delle carrozzine e delle stampelle? Cosa guarderanno i loro occhi? Che lingua parleranno? E chi li trova per caso o desiderio, come deve avvicinarli? Può farlo? Saprà chiedere permesso?
Sottobosco costruisce un ambiente in cui gruppi estemporanei di persone con disabilità si potranno incontrare e diventare comunità.
Chiara Bersani è una performer e coreografa italiana che esplora la politica del corpo e osserva come le immagini che ci creiamo interagiscono con le narrative sociali. La sua ricerca si basa sul concetto di “Corpo Politico” e sulla creazione di pratiche che mirano ad allenare la sua presenza e la sua azione. Come attivista, Chiara lavora sull’inclusività degli artisti disabili nella scena delle arti performative. 

[2nd Winter of pandemic – Italian vaccination campaign begins. Due to a lack of national guidelines on the priority categories to be vaccinated, regions began to act independently, choosing justice professionals, journalists, politicians, etc. as a priority over fragile and vulnerable people]

No, there is no alliance between the bodies now. Silence has fallen in the bones, the folds of the joints create hollow caves. Touching you and making love is subversive, and to anyone who asks me a word of comfort, I reserve the fiercest look. No, there is no alliance and there is no comfort. I cannot be a welcoming cradle because you have made me wild. In biology, we classify as “vulnerable” those animal or vegetable species at risk of extinction. This time has crowned me as such. Those structures whose long fingers caressed my head whispering in my ear that I was well received, well accepted, have collapsed. No, there’s no alliance, there’s no comfort, but if you give up, I can take care of you. Because wounds are a fact, fractures are a concrete event and we, who do not even have a vaccination priority, will not comfort you, no, but we will cure you if necessary. But you must lie down. (Chiara Bersani)
A group of boys and girls with disabilities get lost in the woods. Or maybe they were abandoned. Maybe they were chasing love. Maybe one day the trees just grew around them. What could happen? What will happen to their bodies? To their hearts? To their wheelchairs and crutches? What will their eyes look at? What language will they speak? And those who will find them by chance or desire, how should they approach them? Can they do it? Will they ask for permission?
Sottobosco builds an environment where impromptu groups of people with disabilities meet and become communities. Up to now, we only know the stratification of this environment. Above our heads, the sky, inaccessible and horizontal, in which sounds and lights will move with the same relentless pace of the expanding universe. There will be an undergrowth that lives under that sky and is inhabited by the performers, the audience, other sounds and other lights that tremble will live trembling like the bodies and plants. We still don’t know what’s between the sky and the undergrowth. The soundscape of the performance refers to the multiform and multidimensional layout that a meridian can cover from the north to the south pole. The evolution of sound during the work hosts a hyperbolic movement that crosses states, spaces of light and darkness, textures of different materials, clean and misty, empty, wide or narrow. Micro sounds, tiny worlds inhabit these macro forms, details build a living and listening space in continuous transformation.

Chiara Bersani  is an Italian performing artist and choreographer exploring the politics of the body and how the images we create interact with society’s narratives. Her research is based on the concept of the “Political Body” and the creation of practices aimed at training its presence and action. As an activist Chiara works on the inclusivity of disabled artists in the performing arts scene. Her next creation, Sottobosco (undergrowth) starts from an image: a group of kids with disabilities being left in a forest at night.

Azione / creazione / testi Chiara Bersani
Azione / performer Elena Sgarbossa
suono e consulenza Drammaturgica Lemmo
Disegno luci, scena e direzione tecnica Valeria Foti
Costumi Ettore Lombardi
Drammaturgia Chiara Bersani Giulia Traversi
Consigli e occhio esterno Marco D’Agostin
Assistente Simone Chiachiararelli
Cura e produzione del workshop Chiara Boitani
Promozione, cura, booking Giulia Traversi
Comunicazione e press kit Dalila D’Amico
Logistica, organizzazione, produzione Eleonora Cavallo Amministrazione Chiara Fava
Produzione corpoceleste c.c.0.0#
Co-produzione: Stronger Peripheries: A Southern Coalition. Tandem “Connecting Dots” L’Arboreto Teatro Dimora – Mondaino (ITA), Sardegna Teatro (Cagliari, ITA), Bunker (Lubiana, SI) supportato da Creative Europe, Theaterfestival Boulevard (s-Hertogenbosch, NL), Carreau du Temple Istituto culturale e sportivo della città di Parigi (Parigi, FR), Tanzhaus nrw (Düsseldorf, DE), Tanzt Im August / HAU Hebbel am Ufer (Berlino, BE), Rosendal Teater (Trondehim, NO), Le Gymnase CDCN Roubaix – Hauts–de-France (Roubaix, FR), Kunstencentrum VIERNULVIER vzw / Arts Centre VIERNULVIER (Gent, BE), Snaporazverein, (Samaden, CH), SPIELART Theater Festival (Monaco, DE) , Centrale Fies (Dro, ITA), Fuorimargine centro di produzione della Danza (Cagliari, ITA).
Con il supporto di: MiC – DIREZIONE GENERALE SPETTACOLO (ITA), Santarcangelo Festival progetto Europeo BE PART co-finanziato dal programma di Unione Europea Creative Europe (Santarcangelo di Romagna, ITA), Skånes Dansteater (Malmö, SE), Homo Novus Festival International Festival of Contemporary Theatre (Riga, LV), IntercettAzioni – Centro di Residenza Artistica della Lombardia (Milano, ITA).
Progetto vincitore di Toscana Terra Accogliente, di R.A.T. Residenze Artistiche Toscane, in collaborazione con Teatro Metastasio, Fondazione Toscana Spettacolo, Centro di Produzione della Danza Virgilio Sieni, Fabbrica Europa. Residenze creative presso Officine Papage – Teatro dei Coraggiosi (Pomarance, ITA), Teatro delle Commedie (Livorno, ITA), Teatro Popolare d’Arte (Lastra a Signa, ITA)

La produzione è realizzata inoltre con il supporto di Fondazione CARITRO Cassa di Risparmio di Trento e Rovereto.
Dal 2020-2024, Chiara Bersani è sostenuta dalla rete apap – FEMINIST FUTURES, un Progetto co-fondato da Creative Europe Programme of the European Union.

This project is part of the European programme apap – FEMINIST FUTURES, a project co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

Blood Shower di Thais Di Marco è un’opera performativa che cerca di conferire lo status di azione artistica alle proteste che vengono criminalizzate ed emarginate nelle strade di tutto il mondo. Di Marco ha studiato le pratiche di pittura e scultura urbana eseguite e sviluppate nelle manifestazioni pubbliche dalla Primavera araba alle Giornate di Giugno (Brasile), con particolare attenzione alla “Police Action Painting”. Questa tecnica pittorica consiste nel lanciare vernice acrilica contro gli agenti di polizia e i loro mezzi, il che, oltre a colorare, contribuisce a diminuire il campo visivo in un momento di repressione anti costituzionale rispetto ai diritti democratici di libera protesta. La performance conferisce inoltre lo status di protesta a queste azioni artistiche, poiché Blood Shower si muove al limite dei protocolli di sicurezza del teatro in cui viene eseguita. Blood Shower gioca con la capacità dell’arte di aggiungere merce a qualsiasi cosa, integrando un sistema di produzione vergognoso, finanziato dal riciclaggio di denaro, dall’elitarismo e dalle ecologie abusive del mercato dell’arte. La performance presenta anche un ultimo strato sotterraneo da esplorare: l’artista è nata e cresciuta all’interno della tradizione del Candomblé ed è Egbomy (Young Xamã) di una comunità tradizionale del Brasile. Il nome Blood Shower è quindi un riferimento segreto al pregiudizio che criminalizza il colore rosso e i rituali sanguinosi nelle antiche tradizioni precoloniali.

Thais Di Marco (she/they) è una regista di arti performative queer decoloniali, specializzata nella democratizzazione delle arti e nella politica culturale. Ha insegnato per 6 anni  presso il Centro Culturale Brasiliândia, l’unico teatro in un quartiere con uno dei più alti tassi di genocidio di Stato in America Latina. In seguito, ha condiviso la sua ricerca in diversi contesti come Ocupa Ouvidor, il più grande spazio culturale occupato delle Americhe, nel festival Les Echos de Lobozunkpá in Africa occidentale e nello spazio Bongah in Iran, su questioni di potere e di genere. Attualmente facilita diverse azioni del progetto The Goldfish Bleeding in a Sea of Sharks – Wrestling club, una serie di azioni per affrontare la mentalità neoliberale nel mondo dell’arte e per riformare o distruggere il mercato dell’arte come totem del neoliberismo, della corruzione, della violenza cosmologica, dell’eteropatriarcalismo e della supremazia bianca. 

Blood Shower is a performance piece that seeks to bring art status to artistic protesting actions that are criminalized and marginalized on the streets around the world. Urban painting and sculpture practices performed and developed in public demonstrations from the Arabic Spring to June Journeys were studied by the artists, with special attention to “Police Action Painting”. This painting technique consists of throwing acrylic paint against police officers and their apparatus, which in addition to coloring, also contributes to diminishing the visual realm at the time of unconstitutional repression of democratic rights of free protesting. It is also a performance that brings protest status to art actions, as Blood Shower walks on the edge of the theater’s security protocols in which it is performed. Blood Shower flirts with the art’s ability to add commodities to anything as it integrates a shameful production system, financed by money laundering, elitism and abusive ecologies in the Art Market. It has also one last underground layer to be explored since the artist was born and raised within the tradition of Candomblé and it is Egbomy (Young Xamã) of a traditional community from Brazil. The name Blood Shower is thus a secret reference to the prejudice that criminalizes the color red and bloody rituals in ancient pre-colonial traditions. 

Thais Di Marco (she/they) is a badass Queer Decolonial performing arts director specialized in democratization of the arts and cultural politics with 15 years of practice. Thais was teacher during 6 years, of projects at Brasiliândia Cultural Center, the only theater at the neighbourhood with one of the highest rates of state genocide in Latin America. Later, they shared their research in different contexts such as Ocupa Ouvidor, the biggest cultural squat of the Americas, in the festival Les Echos de Lobozunkpá in West Africa and at the space Bongah in Iran, on power issues and gender. Thais studied Lucha Libre at Escuela Arena México and currently facilitates different actions of the project The Goldfish Bleeding in a Sea of Sharks – Wrestling club, a series of action to confront neoliberal mentality in the art world and to either reform, or destroy the art market as a totem of neoliberalism, corruption, cosmological violence, heteropatriarchalism and white supremacy. 

“Superpositional Intersectionalism” è una performance sulla velocità di base con cui ogni cosa all’interno della galassia della Via Lattea viaggia fisicamente nell’universo: corpi umani, confini geopolitici e particelle subatomiche. La quantità di possibilità fisiche che ne derivano per tutti gli esseri è indefinibile e incommensurabile persino per i computer quantistici, eppure tutti sono collegati l’uno all’altro in sovrapposizione.
Le incommensurabili diverse possibilità dei nostri movimenti fisici intrecciati sono il terreno da cui nasce un nuovo modo di pensare a noi stessi e alle libertà sociali – in un concetto che Selma Selman e Chong-ha Peter Lee chiamano “Intersezionalismo Superposizionale”. 

Selma Selman (1991-) viene dalla Bosnia Erzegovina e ha origini romanì. Nelle sue opere d’arte, l’obiettivo finale è quello di proteggere e valorizzare i corpi femminili e di mettere in atto un approccio trasversale all’autoemancipazione collettiva delle donne oppresse. In questa performance, Selman e il suo collaboratore artistico, l’ex artista marziale Chong-ha Peter Lee, lottano per 10 round, scambiandosi ruoli, generi, specie e nomi alla stessa velocità con cui la galassia si muove per un chilometro nell’universo – 600 volte al secondo.

Superpositional Intersectionalism is a performance of the base speed that everything within the Milky Way galaxy is physically travelling through the universe – human bodies, geopolitical borders and subatomic particles. 
The resulting amount of physical possibilities for any and all beings are indefinable and immeasurable – even by quantum computers – yet all entangled within each other in superposition.
The immeasurable different possibilities of our intertwined physical motions is the ground for a new way to think of ourselves and social freedoms – in a concept which Selma Selman and Chong-ha Peter Lee call “Superpositional Intersectionalism”. 
In this performance Selma Selman and her artistic collaborator, former martial artist Chong-ha Peter Lee, struggle for 10 rounds, while switching roles, genders, species and names at the same rate that the galaxy moves 1 kilometre through the universe – 600 times a second.
Every round, an announcer announces the round, speaking how far we have travelled through the galaxy, and how many times Selma and Peter have changed roles, genders, species and names.
During each round, a vocalist commentates the match at the same speed the galaxy is moving through the universe – speaking one word per kilometre that the galaxy travels – producing a tone that cycles 600 times per second.

Selma Selman (b.1991) is from Bosnia and Herzegovina and is of Romani origin. She earned her Bachelor of Fine Arts in 2014 from Banja Luka University’s Department of Painting. In 2018 she graduated from Syracuse University with a Master of Fine Arts in Transmedia, Visual and Performing Arts. In her art works, the ultimate aim is to protect and enable female bodies and enact a cross-scalar approach to collective self-emancipation of oppressed women. Selma’s search for functional, contemporary political resistance stems from her personal experience with oppression from various directions and scales. Selman is also the founder of the organisation ”Get The Heck To School” which aims to empower Roma girls all around the world who faced ostracization from society and poverty. 

This project is part of the European programme apap – FEMINIST FUTURES, a project co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

Stina Fors (Goteborg, 1989) è coreografa, performer, batterista e cantante. Nella performance A Mouthful of Tongues, la sua bocca diventa teatro. Tecniche vocali sperimentali come il ringhio, il ventriloquismo, il lavoro sulla lingua, i versi dei dinosauri e altro ancora creano un viaggio in cui diversi corpi e suoni sono messi in relazione dissociativa. Il corpo non è in relazione con la voce o con il suo suono. La confusione va e viene e i modi di comunicazione si infrangono l’uno nell’altro. Questa performance celebra la bocca come un potente canale in cui la comunicazione può essere formata, espressa, tormentata, distrutta e resuscitata. Ascoltiamo storie frammentate, pensieri ed emozioni di altri luoghi, paesaggi deliranti – di qualcosa che suona come l’inglese ma non lo è. A mouthful of tongues è stato presentato in anteprima nel giugno 2022 al brut Wien in Austria.

In the performance A Mouthful of Tongues, the mouth becomes the theater. Experimental vocal techniques such as growling, ventriloquism, tongue work-outs, dinosaur calls, and more create a journey where many bodies and sounds are brought into dissociative relations. The body is not in relation to its voice or its sound. Confusion comes and goes and manners of communication break into one another. This performance celebrates the mouth as a potent channel where communication can be formed, expressed, torqued, destroyed, and resurrected. We hear fragmented stories, thoughts and emotions of other places, delirious landscapes – of something that sounds like English but is not.
A mouthful of tongues premiered in June 2022 at brut Wien in Austria.

Stina Fors born 1989 in Goteborg (SE), is a choreographer, performer, drummer and a vocalist who studied choreography and performance at SNDO (school for new dance development) in Amsterdam. Stina found her love for sound and the voice and from there developed a repertoire of solo performances, for example her one-woman-punk-band: Stina Force. Experiment and improvisation is often used live as a creative strategy. Her performances are often created with the intention to be flexible and activated in a variety of spaces and events. Stina is currently based in Vienna.

“Superpositional Intersectionalism” è una performance sulla velocità di base con cui ogni cosa all’interno della galassia della Via Lattea viaggia fisicamente nell’universo: corpi umani, confini geopolitici e particelle subatomiche. La quantità di possibilità fisiche che ne derivano per tutti gli esseri è indefinibile e incommensurabile persino per i computer quantistici, eppure tutti sono collegati l’uno all’altro in sovrapposizione.
Le incommensurabili diverse possibilità dei nostri movimenti fisici intrecciati sono il terreno da cui nasce un nuovo modo di pensare a noi stessi e alle libertà sociali – in un concetto che Selma Selman e Chong-ha Peter Lee chiamano “Intersezionalismo Superposizionale”. 

Selma Selman (1991-) viene dalla Bosnia Erzegovina e ha origini romanì. Nelle sue opere d’arte, l’obiettivo finale è quello di proteggere e valorizzare i corpi femminili e di mettere in atto un approccio trasversale all’autoemancipazione collettiva delle donne oppresse. In questa performance, Selman e il suo collaboratore artistico, l’ex artista marziale Chong-ha Peter Lee, lottano per 10 round, scambiandosi ruoli, generi, specie e nomi alla stessa velocità con cui la galassia si muove per un chilometro nell’universo – 600 volte al secondo.

Superpositional Intersectionalism is a performance of the base speed that everything within the Milky Way galaxy is physically travelling through the universe – human bodies, geopolitical borders and subatomic particles. 
The resulting amount of physical possibilities for any and all beings are indefinable and immeasurable – even by quantum computers – yet all entangled within each other in superposition.
The immeasurable different possibilities of our intertwined physical motions is the ground for a new way to think of ourselves and social freedoms – in a concept which Selma Selman and Chong-ha Peter Lee call “Superpositional Intersectionalism”. 
In this performance Selma Selman and her artistic collaborator, former martial artist Chong-ha Peter Lee, struggle for 10 rounds, while switching roles, genders, species and names at the same rate that the galaxy moves 1 kilometre through the universe – 600 times a second.
Every round, an announcer announces the round, speaking how far we have travelled through the galaxy, and how many times Selma and Peter have changed roles, genders, species and names.
During each round, a vocalist commentates the match at the same speed the galaxy is moving through the universe – speaking one word per kilometre that the galaxy travels – producing a tone that cycles 600 times per second.

Selma Selman (b.1991) is from Bosnia and Herzegovina and is of Romani origin. She earned her Bachelor of Fine Arts in 2014 from Banja Luka University’s Department of Painting. In 2018 she graduated from Syracuse University with a Master of Fine Arts in Transmedia, Visual and Performing Arts. In her art works, the ultimate aim is to protect and enable female bodies and enact a cross-scalar approach to collective self-emancipation of oppressed women. Selma’s search for functional, contemporary political resistance stems from her personal experience with oppression from various directions and scales. Selman is also the founder of the organisation ”Get The Heck To School” which aims to empower Roma girls all around the world who faced ostracization from society and poverty. 

This project is part of the European programme apap – FEMINIST FUTURES, a project co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

Hatis Noit è un’interprete vocale giapponese originaria della lontana Shiretoko, in Hokkaido, ora residente a Londra. La sua vasta esperienza, costruita da autodidatta, è stata ispirata da tutto ciò che poteva trovare, dal Gagaku – la musica classica giapponese – agli stili operistici, al canto bulgaro e gregoriano, alle pratiche vacali d’avanguardia e pop. Il nome Hatis Noit è tratto dal folklore giapponese e significa “il gambo del fiore di loto”. Il loto rappresenta il mondo vivente, mentre la sua radice rappresenta il mondo degli spiriti, quindi Hatis Noit è ciò che li collega. Per Hatis Noit, la musica rappresenta lo stesso mondo sotterraneo, con la sua capacità di muoverci e trasportarci dall’altra parte: il passato, un ricordo, il nostro subconscio.
Ha all’attivo prestigiose collaborazioni con artiste e artisti come Nobumichi Asai (per il progetto Inori -preghiera- presentato in anteprima dal vivo al Mutek Japan di Tokyo), Kevin Richard Martin, alias The Bug, con il NYX Electronic Drone Choir ed è apparsa in registrazioni del connazionale Masayoshi Fujita e del pianista ucraino e pioniere della Continuous Music, Lubomyr Melnyk. È stata invitata da David Lynch a esibirsi al suo Manchester International Festival nel 2019, esibizione seguita da spettacoli in tutta Europa e oltre, culminati in un applauditissimo spettacolo londinese sold-out con la London Contemporary Orchestra al Southbank Centre.
Nel 2018 è uscito il suo primo enigmatico EP Illogical Dance su Erased Tapes, che vede la partecipazione dei Matmos, collaboratori di Björk, e nel quale crea mondi di canzoni unici con interpretazioni vocali trascendenti, che al tempo stesso decostruiscono e ricombinano la tradizione musicale classica occidentale, il folk giapponese e l’atmosfera ambientale della natura.

Japanese vocal performer hailing from distant Shiretoko in Hokkaido who now resides in London. Hatis Noit’s accomplished range is astonishingly self-taught, inspired by everything she could find from Gagaku — Japanese classical music — and operatic styles, Bulgarian and Gregorian chanting, to avant-garde and pop vocalists.
It was at the age of 16, during a trek in Nepal to Buddha’s birthplace, when she realised singing was her calling. While staying at a women’s temple in Lumbini, one morning on a walk Hatis Noit heard someone singing. On further investigation it was a female monk singing Buddhist chants, alone. The sound moved her so intensely she was instantly aware of the visceral power of the human voice; a primal and instinctive instrument that connects us to the very essence of humanity, nature and our universe.
The name Hatis Noit itself is taken from Japanese folklore, meaning the stem of the lotus flower. The lotus represents the living world, while its root represents the spirit world, therefore Hatis Noit is what connects the two. For Hatis Noit, music represents the same netherworld with its ability to move and transport us to the other side; the past, a memory, our subconscious.
After participating in a memorial and appreciation ceremony tailored to the withdrawal of the evacuation area in Fukushima on 31 March 2017, Hatis Noit collaborated with renowned visual artist Nobumichi Asai on a project titled Inori (prayer) which they premiered live at Mutek Japan in Tokyo.
March 23, 2018 marked the worldwide release of her first enigmatic EP Illogical Dance on Erased Tapes. The arresting 4-track record features Björk-collaborators Matmos and creates unique song-worlds with transcendent vocal interpretations that at once deconstruct and recombine Western Classical, Japanese folk and nature’s own ambience atmosphere.
Having recently moved to London, she’s performed solo shows and appeared at various festivals across Europe, including a special live performance at the Milan Fashion Week 2018. Hatis Noit has collaborated with Kevin Richard Martin aka The Bug, the NYX Electronic Drone Choir and appeared on recordings by fellow countryman Masayoshi Fujita as well as Ukrainian pianist and Continuous Music pioneer Lubomyr Melnyk. She’s been invited by David Lynch to perform at his Manchester International Festival takeover in 2019, followed by headline shows across Europe and beyond, culminating in a much applauded sold-out London show with the London Contemporary Orchestra at Southbank Centre.
Tipped by The Guardian as One To Watch in 2020, Hatis Noit collaborated with cinematographer Vincent Moon for Elevate in Graz, Austria and has been working on various bespoke music commissions including Fernweh as her contribution to the Erased Tapes compilation Music for kō.
Her first full-length album for international release Aura was released on June 24, 2022 to much critical acclaim.
“This deserves a closer listen” Album of the Day — Bandcamp
“Aura is a bold, impressive debut which signals — loud, clear and creatively — that when Hatis Noit opens her throat to sing, we should be listening” — NPR
“It feels like the day the world changed… ‘Aura’ is one of the most singular albums I’ve heard for a long time” 9/10 — CLASH
“A breathtaking work which showcases the dexterity of Noit’s voice, and of the human voice in general” 8/10 — Loud And Quiet
“Impressive… blasts of strangely affecting oral fanfare” — The Wire
“This is a voice you only need to hear once and you’ll never forget it” — Mary Anne Hobbs, BBC 6

Marina Herlop si libera degli orpelli classici dei suoi precedenti album Nanook e Babasha per emergere in una forma vibrante e polimorfa nel suo nuovo ipnotizzante album Pripyat, uscito il 20 maggio 2022 per l’etichetta PAN. Con Pripyat la compositrice, vocalist e pianista catalana, formatasi al conservatorio, incanala il suo ambiente in una forma postumana; Herlop si esibisce in acrobazie vocali aliene, traendo ispirazione dalla musica carnatica dell’India meridionale, mentre pianta una diversità di semi sonori che sbocciano brillantemente nel suo sontuoso giardino di composizioni chimeriche, prodotte per la prima volta esclusivamente in forma elettronica. Herlop ha sbalordito il pubblico con il debutto del suo ensemble al Rewire e si è esibita al Primavera Barcelona e LA, al CTM, al Mutek, al Dekmantel e a Le Guess Who?

Marina Herlop sheds the classical trappings of her accomplished previous albums Nanook and Babasha to emerge in vibrant, polymorphous form on her hypnotizing new album Pripyat, out May 20, 2022 via PAN. With Pripyat the Catalonian, conservatory trained composer, vocalist, and pianist channels her environment in truly posthuman form; Herlop performs alien vocal acrobatics, drawing inspiration from Carnatic music of Southern India, while planting a diversity of sonic seeds which blossom brilliantly in her sumptuous garden of chimeric compositions, produced for the first time exclusively electronically. Herlop blew the audience away with her ensemble’s Rewire and performed at Primavera Barcelona and LA, CTM, Mutek, Dekmantel and Le Guess Who? 

Witch Club Satan è una performance black metal femminista in quattro atti – un rituale musicale drammatico dalle conseguenze sconosciute.
Quella della Strega è una figura folcloristica, un simbolo femminista e una parolaccia: “streghe” sono sia persone storicamente etichettate come tali durante i processi per stregoneria, sia quelle che si autodefiniscono in questo modo per vari motivi, sia donne con potere politico appellate come streghe da altri. Ispirandosi alle attiviste del W.I.T.C.H. (Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell), il trio sfrutterà il potenziale di questa figura in un contesto performativo, utilizzando incantesimi di guarigione e maledizione.
Witch Club Satan vi sveglierà con l’urlo primordiale in continuo accumulo dentro di noi. L’obiettivo finale è il cambiamento: non sarete più le persone di prima.
Witch Club Satan è allo stesso tempo un concerto, uno spettacolo teatrale, una manifestazione di alto profilo e un vertice sul clima. Nikoline Spjelkavik e Victoria Røising (Lost and Found Production) formano con Johanna Kleive una band punk rock e in questa performance, coltivano la teatralità del black metal e ne tracciano l’espressione tradizionale in una direzione new-feminist. Witch Club Satan mette in campo la “strega” come promettente controparte femminile ai molti archetipi maschili del black metal, ancora nettamente dominato dagli uomini. Le tre sono curiose di capire come loro, in quanto giovani donne, possano conferire al genere nuove qualità sotto tutti i punti di vista, dall’uso della voce alla scrittura dei testi.
Non venite qui per starvene sulla sedia. La strega augura ogni bene a voi e al mondo. Il tempo che passeremo insieme sarà una festa rumorosa. È mezza estate ed è il Sabbath e questo falò è dedicato proprio a voi.

Witch Club Satan is a mixture between theatre and a concert. Nikoline Spjelkavik and Victoria Røising in Lost and Found Production also play in a punk rock band with Johanna Kleive. In this performance, they cultivate the theatricality of black metal, and draw the traditional black metal expression in a new-feminist direction. 
Norwegian black metal is still strikingly male-dominated. The three are curious about how they, as young women, can give the genre new qualities in all aspects – from voice use to text writing. Witch Club Satan has an obvious feminist agenda, and highlights a promising feminine counterpart to black metal’s many male archetypes: the “witch”.  
“Witches” are both the people who historically were labelled as witches during the witch trials, those who call themselves witches for various reasons, or women with political power who are labelled as witches. It is a folkloric figure, a feminist symbol and a swear word. Inspired by the activists of W.I.T.C.H. (Women’s International Terrorist Conspiracy from Hell), the trio will harness the witch’s potential in a performative setting, using spells and curses, healing and damning. Witch Club Satan plays up to new notes: the witch of today can inspire us to get to know nature and the nature within ourselves. 
Witch Club Satan is both a concert, theatre performance, high fair and climate summit. You don’t come here to sit back. The witch wishes you and the world well. The time we have together will be a loud celebration. It’s Midsummer and Sabbath, and you and your whole being are most welcome at the pyre. 
Lost and Found productions is a theatre company based on Andøya in Northern Norway. The company was founded by Nikoline J. Spjelkavik and Victoria F. S. Røising in 2016 after our education at the Norwegian Theater Academy.  
Lost and Found productions is working interdisciplinary with a specific emphasis on exploring audiovisual theatre. We create original, independent performances, which are usually presented at programming scenes and theatre festivals. Our aim is to make experimental theatre more inviting for a broader audience, where music often plays a key role to make the performances more accessible to the public. 

Rifugio Amore è un collettivo multidisciplinare creato nel 2022 a Trento da un gruppo di giovani dj, visual designer e autori con l’ambizione di queerizzare la città del concilio da dentro e fuori le mura. 
La principale aspirazione è quella di alimentare un terreno fertile di dialogo intersezionale, creando piattaforme per energie creative escluse dal panorama attuale.
Il collettivo crede nell’intersezione fra il mondo del clubbing e la cultura queer come uno spazio possibile per dare voce all3 artist3 del territorio.
Rifugio Amore vuole rappresentare un nido in alta quota, un safer space per la comunità queer e non solo del capoluogo trentino.

Rifugio Amore is a multidisciplinary collective created in 2022 in Trento by a group of young DJs, visual designers and authors. Their ambition is the queering of the city everybody knows as the city of the Council both from within and outside its walls. 
The main aspiration is to nurture a fertile ground of intersectional dialogue, creating platforms for creative energies that are now left out of the current scene.
The collective believes in the intersection between clubbing and queer culture as a possible space to give voice to artists in the area.
Rifugio Amore aims to represent a high-altitude nest, a safer space for the queer community and beyond in Trentino’s capitol.

Il lavoro di Florin Flueras tocca gli ambiti della politica, della filosofia, della spiritualità, della salute, dei media, dell’educazione, della letteratura, intaccando convenzioni e certezze, producendo incontri performativi tra l’arte e il suo esterno. In Unimages (come anche in Love, Unexperiences, Unhere) esplora situazioni e capacità corporee che agiscono in modo “meta”, influenzando ciò che è alla base dell’elaborazione concettuale e della percezione, di ciò che è possibile pensare, vedere e sentire in contesti diversi. In alcune sedi le azioni appaiono senza invito – Unofficial Unworks. Spesso Flueras trasferisce questi approcci performativi tra i suoi scritti e le sue opere. Più che visiva o concettuale, Florin considera la sua pratica recente come affect art. 
Le  non-immagini (Unimages) sono deviazioni dagli stati corporei e dalle autopresentazioni plausibili, anomalie performative che influenzano le letture e le percezioni automatiche. Le rappresentazioni non si possono stabilizzare, le azioni si allontanano dalle immagini, sfuggono continuamente alle letture, giocano strani scherzi alle nostre menti e ai nostri corpi. La capacità di vedere e capire, di formare immagini coerenti su ciò che abbiamo davanti agli occhi, può essere messa in discussione e rinfrescata. Unimages esplora i modi per muoversi al di fuori delle immagini del corpo, delle identità e, a volte, anche della nostra mente. 

Unimages are deviations from plausible body states and self-presentations, performative anomalies that affect the automatic readings and perceptions. Representations are not allowed to stabilise, actions withdraw from images, constantly escaping readings, playing tricks with our minds and bodies. The capacity of seeing and understanding, of forming coherent images about what is in front of our eyes, may be questioned and refreshed. Unimages are inserted in contexts where something else is already happening, adding an extra layer to their ordinary function (art spaces, supermarkets, airports…). Meetings are produced between two types of audiences, attentions, situations, performers. We tend to conform to personal and cultural images about ourselves and reality, to the known, becoming images and identities in the process. Unimages explores ways to move outside body images, identities, and outside our minds sometimes. It intervenes in the implicit process of transforming reality into images and certainties. 
It feels like we’re more and more forced to admit that the current images, representations, certainties on which we try to control ourselves and the world, should be changed. Even better might be to exit altogether the mirage of images, to abandon the society of spectacle in which “everything that was directly lived has receded into a representation.”(Debord) According to Deleuze, for thought to not be anymore “crushed under an image”, we need sensible, affective, perplexing encounters that force us to think.
This could also mean that we need to explore outside the main territory of images and representation based art. Unimages are affect and presence based – embodied, perplexing experiences that might jolt the bodies out of their image controlled daily choreographies. Unimages can appear uninvited at some venues – Unofficial Unworks.

Florin Flueras’ work expands into spheres of politics, philosophy, spirituality, health care, media, education, literature – affecting conventions and certainties, producing performative meetings between art and its outside. In Artwork he transforms works into practices, composing a “method” in the format of somatic / spiritual methods. With Alina Popa he created alternative art environments, artworks as Artworlds (Unsorcery, Clinica, Black Hyperbox). With Ion Dumitrescu he initiated Postspectacle, a practice of applying performative tools outside art, like in Candidate’s presidential campaign. In Art Opening he aims for temporary zones of possibility, for art openings at the levels of formats, contents and aesthetics. In Love, Unexperiences, Unimages, Unhere, he explores body situations and capacities that act meta, affecting what underlies the conceptual and perceptual, what is possible to think, see and feel in different contexts. In some venues they appear uninvited – Unofficial Unworks. He’s often transferring performative approaches between his writing and his works. More than visual or conceptual, Florin sees his recent practice as affect art. He has shown at MAB FAAP Sao Paulo, DEPO Istanbul, Ujazdowski Castle Warsaw, Jardim Equatorial Sao Paulo, Fabrica de Pensule Cluj, MUMOK Kino Vienna, HAU Berlin, TQW Vienna, Karas Zagreb, DeSingle Antwerp, Suprainfinit Bucharest, Atelier 35 Bucharest, MNAC Bucharest, Salonul de Proiecte Bucharest, Berardo Museum Lisbon, Aleppo Brussels, Hordaland Kunstsenter Bergen, Akademie Solitude Stuttgart, Europalia Brussels, Swimming Pool Sofia, Bozar Brussels, Matter of Art Prague Biennale.

This project is part of the European programme apap – FEMINIST FUTURES, a project co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

Nella nuova creazione di Milla Koistinen il pubblico è invitato a essere nello spazio e a osservare la coreografia che nasce intrinsecamente dal modo in cui i performer giocano con grandi oggetti dai colori vivaci. Creati dall’artista visiva Sandra E. Blatterer, gli oggetti pieni d’aria assumono forme, significati e associazioni diverse man mano che i performer ne esplorano la materialità, la tattilità e le qualità acustiche. Con Magenta Haze, Koistinen continua la sua esplorazione del comportamento della folla, dell’individuo all’interno della collettività, dei sensi condivisi di gioia e di estasi. Partendo dall’idea che l’estasi è uno stato in cui siamo portati al di fuori di noi stessi e trascendiamo in un indeterminato “altrove”, Magenta Haze invita lo spettatore a osservare una coreografia di sottili punti di rottura tra distanza e vicinanza, unione ed estraneità, fragilità e forza, gruppo e individuo. Magenta Haze è un progetto gemello dell’assolo Breathe, una performance all’aperto che ha avuto luogo nell’estate 2021.

Milla Koistinen, coreografa finlandese basata a Berlino, ha lavorato, tra gli altri, con Kristian Smeds, Hiroaki Umeda, Peter Verhelst, Christine Gaigg e Cie Heddy Maalem. Dal 2008 porta in tournée il proprio lavoro a livello internazionale e insegna in vari contesti. Tra il 2020 e il 2024 il lavoro di Koistinen è sostenuto da apap – FEMINIST FUTURES – un progetto co-fondato dal Programma Creative Europe dell’Unione Europea. 

In the new creation of Milla Koistinen audiences are invited to be in the space and observe the intrinsic choreography arising from the performers’ play with large brightly coloured objects. Created by visual artist Sandra E. Blatterer, the air-filled objects take on different shapes, meanings and associations as the performers explore their materiality, tactility and aural qualities. With Magenta Haze Koistinen continues her exploration of crowd behaviour, the individual within the collective, communal joy and ecstasy. Inspired by the idea that ecstasy is a state where we are taken outside of ourselves and transcend to an ‘elsewhere’ place, Magenta Haze invites the spectator to observe a choreography of subtle tipping points between distance and closeness, togetherness and estrangement; fragility and strength; group and individual. Magenta Haze is a sister project of the solo Breathe, an outdoor performance in the summer 2021.

Milla Koistinen is a Finnish choreographer based in Berlin. She has graduated from the Theatre Academy in Helsinki with MA in dance and from HZT Berlin with MA in choreography. She has worked among others with Kristian Smeds, Hiroaki Umeda, Peter Verhelst, Christine Gaigg and Cie Heddy Maalem. Since 2008 she tours her own work internationally and teaches in various contexts. In 2020-2024 Koistinen’s work is supported by apap – FEMINIST FUTURES – a project co-founded by the Creative Europe Program of the European Union. 

This project is part of the European programme apap – FEMINIST FUTURES, a project co-funded by the Creative Europe Programme of the European Union

Stina Fors (Goteborg, 1989) è coreografa, performer, batterista e cantante. Nella performance A Mouthful of Tongues, la sua bocca diventa teatro. Tecniche vocali sperimentali come il ringhio, il ventriloquismo, il lavoro sulla lingua, i versi dei dinosauri e altro ancora creano un viaggio in cui diversi corpi e suoni sono messi in relazione dissociativa. Il corpo non è in relazione con la voce o con il suo suono. La confusione va e viene e i modi di comunicazione si infrangono l’uno nell’altro. Questa performance celebra la bocca come un potente canale in cui la comunicazione può essere formata, espressa, tormentata, distrutta e resuscitata. Ascoltiamo storie frammentate, pensieri ed emozioni di altri luoghi, paesaggi deliranti – di qualcosa che suona come l’inglese ma non lo è. A mouthful of tongues è stato presentato in anteprima nel giugno 2022 al brut Wien in Austria.

In the performance A Mouthful of Tongues, the mouth becomes the theater. Experimental vocal techniques such as growling, ventriloquism, tongue work-outs, dinosaur calls, and more create a journey where many bodies and sounds are brought into dissociative relations. The body is not in relation to its voice or its sound. Confusion comes and goes and manners of communication break into one another. This performance celebrates the mouth as a potent channel where communication can be formed, expressed, torqued, destroyed, and resurrected. We hear fragmented stories, thoughts and emotions of other places, delirious landscapes – of something that sounds like English but is not.
A mouthful of tongues premiered in June 2022 at brut Wien in Austria.

Stina Fors born 1989 in Goteborg (SE), is a choreographer, performer, drummer and a vocalist who studied choreography and performance at SNDO (school for new dance development) in Amsterdam. Stina found her love for sound and the voice and from there developed a repertoire of solo performances, for example her one-woman-punk-band: Stina Force. Experiment and improvisation is often used live as a creative strategy. Her performances are often created with the intention to be flexible and activated in a variety of spaces and events. Stina is currently based in Vienna.