26.07 —- 27.07.24
a cura di / curated by Barbara Boninsegna e / and Filippo Andreatta
PERFORMANCE EXHIBITION PROGRAM
VENERDÌ 26 LUGLIO – FRIDAY 26 JULY
26.07 – ore h/ore 19.00 e/and 22.30
Chiara Bersani – Deserters
Forgia – 60′
about the exhibition and the performance
Deserters è un’installazione pensata come un dispositivo multimediale e performativo composto da diverse parti in relazione tra loro. La performance messa in scena sul grande tappeto disegnato dall’artista non può esistere senza il tappeto stesso e senza l’ambiente sonoro che la accompagna. A questi elementi si aggiunge una serie di disegni, raffiguranti dei corpi non conformi, incastonati all’interno di superfici tessute appese alle pareti. Il titolo si rifà alle parole di Virginia Woolf nel saggio On Being Ill (1926). Con la malattia, si legge nel saggio, “smettiamo di essere soldati nell’esercito degli eretti; diventiamo disertori”. L’invito dell’artista è infatti quello ad abbandonare la posizione verticale, propria di una sedicente condizione di salute e conformità, per adottare una diversa prospettiva comune. Il tappeto annodato a mano – realizzato grazie alla collaborazione con l’azienda CC-tapis – elabora graficamente la narrazione performativa: l’intreccio di corpi e tralci vegetali rimanda direttamente alle azioni dei performer, mentre le lunghe frange di filato, poste sui quattro lati del tappeto, invadono l’ambiente invitando il pubblico ad addentrarsi nello spazio scenico. Parallelamente la serie delle opere a parete – dove le superfici tessute risultano nettamente più grandi, sproporzionate, rispetto alle dimensioni dei disegni che contengono – rimanda alla presenza dei corpi reali sulla scena, prendendone idealmente il posto nel momento in cui questi sono assenti.
Le creazioni di Chiara Bersani nascono sempre in dialogo con lo spazio che le ospita e sono rivolte prevalentemente a un pubblico prossimo alla scena. Oltre a costituire una nuova sfida per l’autrice, il tappeto, le parti sonore e soprattutto i disegni/oggetti realizzati per questa occasione, sono un modo per tenere fede al principio della prossimità in assenza dei corpi reali che definiscono la scena stessa. Deserters espone corpi disabili chiamati a lasciare un segno del proprio passaggio sul grande tappeto che li include e figurativamente li rappresenta. I gesti e i gemiti generati da questo incontro minano gli stereotipi legati alla sfera intima, identitaria e sessuale, che colpiscono di frequente le persone con disabilità, attribuendo alla presenza del corpo sulla scena – il corpo vulnerabile in rappresentanza di tutti i corpi esistenti – una valenza politica.
Per il rigore nell’incarnare questo studio le viene attribuito il Premio UBU come miglior nuova attrice/performer under 35 del 2018. Nell’agosto 2019 durante l’Edimburgh Fringe Festival Gentle Unicorn e Chiara Bersani vincono il primo premio per la categoria danza del Total Theatre Awards. Chiara Bersani è artista sostenuta dal circuito apap – Advancing Performing arts project – Feminist Future, un progetto cofinanziato dal Programma Europa Creativa dell’Unione Europea, fino al 2024.
Deserters is an installation conceived as a multimedia and performative device composed of various interrelated parts. The performance that takes place on the large carpet designed by the artist cannot exist without the carpet itself and the accompanying sound environment. Added to these elements is a series of drawings depicting non-conforming bodies, embedded within woven surfaces on the walls.
The title refers to Virginia Woolf’s words in the essay On Being Ill (1926). In the essay, it is stated that with illness, “we cease to be soldiers in the army of the upright; we become deserters.” The artist invites us to abandon the vertical position, typical of a supposed state of health and conformity, to adopt a different, shared perspective.
The hand-knotted carpet, created in collaboration with the company CC-tapis, graphically elaborates the performative narrative: the intertwining of bodies and vegetal tendrils directly reflects the actions of the performers, while the long yarn fringes, placed on all four sides of the carpet, invade the space, inviting the audience to enter the area. In parallel, the series of visual works on the walls —where the woven surfaces are significantly larger, disproportionate to the drawings they contain— refer to the presence of real bodies on stage, ideally taking their place when they are absent.
Chiara Bersani’s creations are always born in dialogue with the space that hosts them and are primarily aimed at an audience close to the stage. Besides constituting a new challenge for the artist, the carpet, the sound components, and especially the drawings/objects created for this occasion, serve as a way to adhere to the principle of proximity in the absence of the real bodies that define the scene.
Deserters showcases disabled bodies called to leave a mark of their passage on the large carpet that includes and figuratively represents them. The gestures and groans generated by this encounter undermine stereotypes related to intimacy, identity and sexuality, often affecting people with disabilities, attributing a political significance to the presence of the body on stage—the vulnerable body representing all existing bodies.
Deserters centers on the issue of vulnerability, understood both as a subjective, identity dimension and as a shared corporeal condition. Vulnerability emerges as a fundamental paradigm for rethinking the basic principles of personal and political discourse. The disabled body, encountered in a state of proximity and exchange, opens up the re-signification of identities, amplifying the sense of participation. The artist “performs” her own non-conforming body, seeking, in the cohabitation with other bodies on stage and with the audience, the meaning of an alliance devoted to sharing, interdependence, and change.
Crediti
a cura di Lorenzo Giusti
creazione e ideazione Chiara Bersani
Project Manager: Valentina Gervasoni
performer Annamaria Pes, Chiara Bersani, Kelly Ardens
assistente Simone Chiacchiararelli
affiancamento e promozione Giulia Traversi
comunicazione Dalila D’Amico
organizzazione Valentina Gervasoni / Elenora Cavallo
Deserters (Disertori) è il progetto vincitore dell’undicesima edizione di Italian Council, il programma di promozione internazionale dell’arte italiana della Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura
Realizzata grazie al sostegno dell’Italian Council (XI edizione, 2022)
Chiara Bersani is an Italian performer and author active in the field of performing arts, research theater and contemporary dance. As an interpreter and as a director / choreographer moves through different languages and visions. Her works, presented in international circuits, are born as creations in dialogue with spaces of different nature and are mainly aimed at a “neighbor” to the scene. Her research as an interpreter and author is based on the concept of the “Political Body” and the creation of practices aimed at training its presence and action. The “manifest” work of this research is Gentle Unicorn, a performance included in the Aerowaves platform. For the rigor in embodying this study she is awarded the UBU Award for best new actress / performer under 35 for 2018. In August 2019, during the Edinburgh Fringe Festival, Gentle Unicorn and Chiara Bersani won the first prize in the dance category of the Total Theater Awards. Chiara Bersani is an artist of apap – Advancing Performing arts project – Feminist Future, a project co-funded by the Creativnde Europe Programme of the European Union, until 2024.
EXHIBITION MATERIAL SELF
Caroline Achaintre, Chiara Bersani, Benni Bosetto, Rehema Chachage, Julien Creuzet, Sonia Kacem, Sandra Mujinga
a cura di / curated by Simone Frangi e Barbara Boninsegna
18.07 – 21.09.2024
about the exhibition
Nell’ambito di Live Works Summit 2024, Centrale Fies inaugura il secondo episodio di una trilogia di mostre performative (2023-2025), a cura di Barbara Boninsegna e Simone Frangi, dedicate ai concetti espressi nella produzione teorica della pensatrice femminista neo-materialista Stacy Alaimo. Dopo il primo episodio del 2023, incentrato sulla nozione di naked word (parola nuda), ci interrogheremo quest’anno sull’idea di material self (sé materiale) con cui Alaimo mette a tema, nel volume “Bodily Natures: Science, Environment, and the Material Self” del 2010, l’azione e il significato delle “forze materiali” e della loro interfaccia con i corpi umani. Cercando di rispondere ai medesimi quesiti che Alaimo pone nel suo pensiero post-antropocentrico, critico nei confronti del superbo eccezionalismo umano – cosa significa “essere umani” con corpi che sono inestricabilmente interconnessi con il nostro mondo fisico? Come il corpo umano reagisce a forze materiali potenti e pervasive e registra i loro effetti sempre più dannosi ? – la mostra Material Self suggerisce che la “nuova” relazione tra corpi e la natura ha profondamente alterato il nostro senso di sé, creando un’inedita vicinanza del corpo umano all’ambiente e una rinnovata comprensione, di tipo relazionale, dei concetti di “casa”, “rifugio” e “abitare il mondo”.
Within the context of the Live Works Summit 2024, Centrale Fies launches the second episode of a trilogy of performative exhibitions (2023-2025), curated by Barbara Boninsegna and Simone Frangi, dedicated to the concepts expressed in the theoretical work of neo-
materialist feminist thinker Stacy Alaimo. Following the first episode in 2023, which focused on the notion of the “naked word”, this
year the idea of the “material self” will be investigated. This is a concept that Alaimo examined in her 2010 book “Bodily Natures: Science, Environment, and the Material Self”, framing the action and meaning of “material forces” and their interfaces with human bodies. The exhibition seeks to answer the same questions which Alaimo poses in her post-anthropocentric thinking, which is critical of the superb exceptionalism of humans: what does it mean to “be human” with bodies that are inextricably interconnected with the physical world? How does the human body react to powerful and pervasive material forces and register their increasingly damaging effects? Material Self suggests that the “new” relationship between bodies and nature has profoundly altered our sense of self, creating an unprecedented proximity of the human body to the environment and a renewed relational understanding of the concepts of “home”, “shelter” and “inhabiting the world”.
FEMINIST FUTURES SCHOOL
VENERDì 26 luglio – Friday 26 July
ore/h 17.30
Zia Soares & Adenike Oladosu & Nina Ferrante – Arus Femia
Terme, Parco – 60′
La lecture sarà tenuta in lingua inglese / The lecture will be held in English
about the workshop
ARUS FEMIA [Riso Femminile] è un progetto multidisciplinare dell’artista Zia Soares, ispirato alle donne schiavizzate dell’Africa occidentale che, durante la tratta atlantica, trasportavano strategicamente semi di riso verso le Americhe.
La Conferenza sviluppa una riflessione sull’importanza del ruolo delle donne nella sovranità alimentare attraverso la preservazione del patrimonio genetico, alimentare, botanico, umano e culturale. Il riso, di gran lunga l’alimento di base più consumato al mondo, cresce nelle aree costiere: cosa accadrà se la sua produzione diminuirà drasticamente a causa dell’innalzamento del livello dei mari? Quali conseguenze per la sicurezza alimentare di centinaia di milioni di persone? Quali movimenti migratori deriveranno da questa diminuzione della produttività? Esistono varietà di riso geneticamente adattate, ma chi ne controlla la produzione? Chi può accedervi e a quale costo?
Zia Soares è una regista teatrale e attrice, di madre angolana e padre timorese. Nata a Bié, Angola, vive oggi a Lisbona, Portogallo. Il suo lavoro si sviluppa e manifesta tra Africa ed Europa in collaborazione con persone trans e attive nelle arti multidisciplinari.
Nina Ferrante è una studiosa e attivista che si occupa di studi transfemministi e queer. La sua ricerca comprende la critica femminista e postcoloniale, l’ecopoetica queer e la fantascienza femminista. Cosa può un compost. Fare con le ecologie femministe e queer (Luca Sossella Editore, 2022) è il suo libro sul compostaggio politico, poietico e poetico come mezzo per discutere la politica ecologica da una prospettiva femminista queer.
ARUS FEMIA [Female Rice] is a multidisciplinary project by the artist Zia Soares, inspired by enslaved women of West Africa who, during the transatlantic slave trade, strategically transported rice seeds to the Americas. The Conference aims to reflect on the importance of women’s role in food sovereignty through the preservation of genetic, food, botanical, human and cultural heritage. Rice, by far the most consumed food staple in the world, grows in coastal areas — what will happen if its production declines drastically due to rising sea levels? What will be the consequences for the food security of hundreds of millions? Which migratory movements will result from this drop in productivity? There are genetically adapted rice varieties, but who controls its production? Who can access it and at what expense?
Zia Soares is a theater director and actress, daughter of an Angolan mother and Timorese father, she was born in Bié, Angola, and lives in Lisbon, Portugal. Her work is developed and presented between Africa and Europe in collaboration with trans and multidisciplinary artists.
Nina Ferrante is a scholar and activist with a focus on transfeminist and queer studies. Her research encompasses feminist and postcolonial critique, queer ecopoethics and feminist science fiction. “Cosa può un compost. Fare con le ecologie femministe e queer” is her book about political, poietic, and poetic composting as a means to discuss ecological politics from a queer feminist perspective.
SABATO 27 LUGLIO – SATURDAY, 27 JULY
ore/h 16.00
Chiara Bersani – Trasmissiòne
Forgia – 120′
about the workshop
Trasmissióne. – in genere, l’operazione, l’azione, il fatto di trasmettere. Così dice Treccani, e poi continua facendo esempi confortevoli Trasmissione di un bene, di una proprietà ma aggiunge di un’eredità e già un sapore diverso si insinua nella bocca che legge e pronuncia. Allora prosegue Treccani, quasi neutrale, trasmissione dei caratteri ereditari, in biologia, trasmissione genetica (…) e alla fine arriva lato cupo: per contagio di una malattia, di un’infezione; per poi concludere con un rilancio dalla penombra trasmissione del pensiero, in metapsichica, fenomeno per altro controverso (…)
La domanda di base potrebbe essere semplice: come si trasmette una coreografia pensata per un corpo disabile? Cosa succede se ad ereditarla sono altri corpi?
Ma questa domanda dai confortevoli contorni dell’estetica e della tecnica, può veramente essere così semplice?
Se io ti trasmetto i miei gesti, nati dal fuoco e dalla rabbia, tu cosa erediti?
Si può ereditare la rabbia di un altro corpo?
Che legame c’è tra tramettere e tradurre?
Tra tradurre e tradire?
Cosa diventerà il mio canto funebre se a intonarlo sarà la tua voce?
Chiara Bersani è una performer e autrice italiana attiva nell’ambito delle Performing Arts, del teatro di ricerca e della danza contemporanea. Sia come interprete che come regista/coreografa si muove attraverso linguaggi e visioni differenti. I suoi lavori, presentati in circuiti internazionali, nascono come creazioni in dialogo con spazi di diversa natura e sono rivolte prevalentemente a un pubblico “prossimo” alla scena. La sua ricerca come interprete e autrice si basa sul concetto di Corpo Politico e sulla creazione di pratiche volte ad allenarne la presenza e l’azione. L’opera “manifesto” di questa ricerca è Gentle Unicorn, performance inserita nel circuito Aerowaves.Per il rigore nell’incarnare questo studio le viene attribuito il Premio UBU come miglior nuova attrice/performer under 35 del 2018. Nell’agosto 2019 durante l’Edimburgh Fringe Festival Gentle Unicorn e Chiara Bersani vincono il primo premio per la categoria danza del Total Theatre Awards. Chiara Bersani è artista sostenuta dal circuito apap – Advancing Performing arts project – Feminist Future, un progetto cofinanziato dal Programma Europa Creativa dell’Unione Europea, fino al 2024.
Transmissióne (Transmission)- In Treccani dictionary is: the operation, the action, the fact of transmitting, and then it continues by giving comfortable examples: Transmission of an asset, of a property but adds of an inheritance and we already can feel a different flavor in reading and pronouncing this words. Then we can read on Treccani transmission of hereditary characters, in biology, genetic transmission (…) and at the end comes somber side: by contagion of a disease, of an infection; and then concludes with a relaunch from the penumbra transmission of thought, in metapsychics, a phenomenon that is otherwise controversial (…)
The basic question could be simple: how a choreography designed for a disabled body is transmitted? What happens if other bodies inherit it?
But can this question from the comfortable contours of aesthetics and technique really be so simple?
If I transmit to you my gestures, born of fire and anger, what do you inherit?
Can one inherit another body’s anger?
What is the connection between transmitting and translating?
Between translating and betraying?
What will become my funeral song if it is your voice that intones it?
Chiara Bersani is an Italian performer and author active in the field of performing arts, research theater and contemporary dance. As an interpreter and as a director / choreographer moves through different languages and visions. Her works, presented in international circuits, are born as creations in dialogue with spaces of different nature and are mainly aimed at a “neighbor” to the scene. Her research as an interpreter and author is based on the concept of the “Political Body” and the creation of practices aimed at training its presence and action. The “manifest” work of this research is Gentle Unicorn, a performance included in the Aerowaves platform. For the rigor in embodying this study she is awarded the UBU Award for best new actress / performer under 35 for 2018. In August 2019, during the Edinburgh Fringe Festival, Gentle Unicorn and Chiara Bersani won the first prize in the dance category of the Total Theater Awards. Chiara Bersani is an artist of apap – Advancing Performing arts project – Feminist Future, a project co-funded by the Creativnde Europe Programme of the European Union, until 2024.
SABATO 27 LUGLIO – SATURDAY, 27 JULY
ore/h 18.00
Muna Mussie e/and Massimo Carozzi – Cruna
Sala Mezzelune – 40′
La listening session sarà tenuta in lingua italiana / The listening session will be held in Italian
about the listening session
Curva Cieca Oblio ኩርቫ ዕውር ምርሳዕ nasce dalla collaborazione tra Muna Mussie e Massimo Carozzi. Composto di tre parti, il disco parte da una ricerca sul concetto di oblio collettivo e personale. I riferimenti alla memoria tramite l’arte tessile e il ricamo come strumenti artistici, evidenziano il visibile, l’invisibile e il tattile. Cieca si muove all’interno della grammatica di un testo avverso e i continui inciampi ne demoliscono il significato richiamando all’orecchio una sorta di freestyle, una break dance della parola che introduce ad un piano ritmico con senso e forma proprie. Curva è costruita sulla fusione di un frammento prelevato da un brano di musica Tigrinya con il ritmo meccanico di una macchina da cucire e cerca nella ripetizione di catturare e puntare a ciò che sfugge e contemporaneamente incalza, di tracciare delle cuciture nomadiche, dei segni distintivi o dei meticciati. La lunga apnea di Oblio nasce a partire da un’azione, un rituale collettivo, dove una parete in tessuto è il quadro sul quale a cucire sono le voci e le mani nude dei partecipanti. Si parte dalla parola OBLIO detta, scritta, vocalizzata, ricamata, lamentata tramite un passaparola che nel suo ripetersi costante, diventa il corpo di una composizione sonora.
Muna Mussie , artista multidisciplinare basata a Bologna. Il suo lavoro si muove tra gesto, visione e parola, attraversato dalla pratica del ricamo, e indaga i linguaggi delle arti per dare forma alla tensione che scaturisce tra diversi poli espressivi, privato e pubblico, memoria e oblio, visibile e invisibile. Tra le performance e installazioni recenti: The Perfect Human from Sunrise to Sunshine (2023), Oblio/Hands (2023), Oblio/Pianto del Muro (2022), PERSONA (2022), FÒRO FÓRO (2022) Bientôt l’été (2021), PF DJ (2021) , Oblio (2021), Curva Cieca (2021), Curva (2019), Oasi (2018), Milite Ignoto (2015). Tra le mostre si segnalano: ዳናቦሎኛ| بولونیاشارع| Bologna St. 173 (2021-2023), Punteggiatura (2018). Il progetto discografico Curva Cieca Oblio ኩርቫዕውር ምርሳዕ (2024) di Muna Mussie e Massimo Carozzi è la dodicesima uscita di XONG collection – dischi d’artista. Il suo lavoro è stato presentato ad Art Fall/PAC Ferrara, Xing Raum e Live Arts Week Bologna, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo Torino, Museo Marino Marini Firenze, Workspace Bruxelles, Kaaitheater Bruxelles, MAMbo Bologna, ArteFiera Bologna, HangarBicocca Milano, Museion Bolzano, Short Theatre Roma, SAVVY Contemporary Berlin, Mattatoio Roma, Black History Month Firenze, Villa Romana Firenze, Mucem Marsiglia, MAXXI L’Aquila, OGR Torino. Muna Mussie è tra i vincitori del bando Italian Council (2022) del MiC.
Massimo Carozzi è un artista sonoro, musicista e sound designer, esplora la relazione fra suono e immagine, suono e scena, suono e letteratura, suono e spazio. Si è occupato del sound design di numerosi documentari, film, spettacoli teatrali e di danza, in solo e collaborando con scrittori, registi, coreografi, artisti visivi. Nel settembre 2000 con Anna Rispoli e Anna de Manincor fonda ZimmerFrei, con cui partecipa a mostre collettive e personali, festival cinematografici, musicali e teatrali, in Italia e all’estero. Ha partecipato a diversi progetti musicali e sonori, fra cui: El Muniria, Weight And Treble, Auriga, Phonorama, Auna. Ha collaborato, in studio e dal vivo, con diverse personalità del mondo della musica fra cui Starfuckers/Sinistri, Massimo Volume, 3/4HadBeenEliminated, Andrea Belfi, Stefano Pilia, Valerio Tricoli, Dominique Vaccaro, Emidio Clementi, Margareth Kammerer, Susanna La Polla De Giovanni. Ha pubblicato dischi per Random Numbers, Second Sleep, Yerevan Tapes. E’ autore di documentari e cartografie sonore.
Xong è il nome della collana di dischi d’artista, prodotta da Xing, di personalità – italiane e non – legate al variegato mondo della performatività. La collana esplora e traccia una geografia di artisti che intendono il campo sonico come una delle piattaforme in cui espandere i loro mondi e la loro immaginazione. “Lo spazio del disco” è la scena su cui focalizzare e amplificare la propria poetica come fenomeno sonico e fisico, lo spazio da performare. Gli artisti che Xing ha coinvolto in questo progetto praticano di fatto e da sempre la transmedialità. Xong è un progetto unico nel suo genere che disegna nuovi contorni per produrre una diversa comprensione del performativo, delle live arts, e del loro potenziale. Ogni disco è in edizione numerata. Il vinile accoglie la solidificazione del gesto. Nell’insieme colleziona una serie di creazioni originali che costituiscono una rassegna a lungo termine. Onda su onda, Xong è una collana di “Musica-Non-Musica” per attualizzare l’immaginazione.
Curva Cieca Oblio ኩርቫ ዕውር ምርሳዕ was born out of the collaboration between Muna Mussie and Massimo Carozzi. Consisting of three parts, the album starts from a research on the concept of collective and personal oblivion. References to memory through textile art and embroidery as artistic tools highlight the visible, the invisible and the tactile. Cieca moves within the grammar of an adverse text and a continuous stumbling demolishes its meaning, recalling to the ear a sort of freestyle, a break dance of the word that introduces a rhythmic plan with its own sense and form. Curva is built on the fusion of a fragment taken from a piece of Tigrinya music with the mechanical rhythm of a sewing machine and seeks through repetition to capture and point to what escapes and at the same time presses on, to trace nomadic seams, distinctive signs or hybrids. The long apnea of Oblio comes from an action, a collective ritual, where a wall of fabric is the frame from which the voices and bare hands of the participants sew. The word OBLIO (Oblivion) spoken, written, vocalized, embroidered, lamented through word of mouth in its constant repetition becomes the body of a sound composition.
Muna Mussie is a multidisciplinary artist based in Bologna. Her work moves between gesture, vision, and word, intertwined with the practice of embroidery, exploring art languages to shape the tension between different expressive poles such as private and public, memory and oblivion, visible and invisible. Among her recent performances and installations are: The Perfect Human from Sunrise to Sunshine (2023), Oblio/Pianto del Muro (2022), PERSONA (2022), FÒRO FÓRO (2022), Bientôt l’été (2021), PF DJ (2021), Oblio (2021), Curva Cieca (2021), Curva (2019), Oasi (2018), Milite Ignoto (2015). Notable exhibitions include: ዳና ቦሎኛ | بولونیا شارع | Bologna St. 173 (2021-2023), Punteggiatura (2018).
Her work has been presented at Art Fall/PAC Ferrara, Xing Raum and Live Arts Week, Bologna, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino, Museo Marino Marini, Firenze, Workspace, Brussels, Kaaitheater, Brussels, MAMbo, Bologna, ArteFiera, Bologna, HangarBicocca, Milano, Museion, Bolzano, Short Theatre, Roma, SAVVY Contemporary, Berlin, Mattatoio, Roma, Black History Month Florence, Villa Romana, Firenze, Mucem, Marseille, MAXXI L’Aquila, OGR, Torino. She published the album Curva Cieca Oblio ኩርቫ ዕውር ምርሳዕ in collaboration with Massimo Carozzi (Xong collection – dischi d’artista, Xing 2023). Muna Mussie is among the winners of the Italian Council grant (2022) by the MiC.
Massimo Carozzi is a sound artist, sound designer and musician based in Bologna, Italy. He explores the relationship between sound and image, sound and scene, sound and literature, sound and space. He has been involved in the sound design of numerous documentaries, films, theater and dance performances, solo and collaborating with writers, directors, choreographers, and visual artists. In September 2000 with Anna Rispoli and Anna de Manincor he founded ZimmerFrei, with which he participated in group and solo exhibitions, film, music and theater festivals in Italy and abroad. He has participated in music and sound projects, including: El Muniria, Weight And Treble, Auriga, Phonorama, Auna. He has collaborated, in studio and live, with several musicians including Starfuckers/Sinistri, Massimo Volume, 3/4HadBeenEliminated, Andrea Belfi, Stefano Pilia, Valerio Tricoli, Dominique Vaccaro, Emidio Clementi, Margareth Kammerer, Susanna La Polla De Giovanni. He has released records for Random Numbers, Second Sleep, Yerevan Tapes. He is the author of documentaries and sound cartographies.
Xong is the name of the collection produced by Xing, a vinyl-only record label of works by both Italian and international personalities linked to the variegated worlds of live performativity. The collection explores a geography of artists who present this sonic field as a platform to expand their staged worlds. “The space of the record” is given focus and amplifies their poetics as both a sonic and physical phenomenon. Xong is a unique project that draws out divergent understandings of the performative and live arts, beyond genre and intersecting between different practices. Xong collects a series of original creations that constitute an expanded program. Each physical record is a numbered edition on white vinyl hosting the solidification of the gesture. A wave upon wave, a series of “Music-Non-Music” to actualize both the artists and listeners imagination.
PERFORMANCE PROGRAM
VENERDì 26 luglio – FRIDAY, 26 JUly
26.07 – ore/h 19.00 e/and 22.30
Sofia Jernberg – De sospiri
Sala Mezzelune – 60′
about the performance
Sofia Jernberg, nata in Etiopia e cresciuta tra Etiopia, Vietnam e Svezia, è una cantante e compositrice. Al cuore della sua pratica è l’impiego di tecniche e suoni non convenzionali con un’attenzione particolare alla voce umana. Il suo lavoro tocca temi come identità, internazionalità, origine, appartenenza, e manifesta una ferma convinzione nella condivisione e nella collaborazione. Il teatro musicale e l’opera contemporanea giocano un ruolo significativo nella sua pratica. Ha ricevuto svariate commissioni come compositrice e collabora ad altre opere artistiche visive e cinematografiche.
Sofia Jernberg, born in Ethiopia and grew up in Ethiopia, Vietnam and Sweden, is a singer and composer. Central to her work are unconventional techniques and sounds with focus on the human acoustic voice. Touching themes like identity, internationality, origin, belonging as well as a strong belief in communion and collaboration. Music theatre and contemporary opera play a significant part in her artistic oeuvre. She received several commissions as a composer and collaborates with visual artists and film makers.
26.07 – ore/h 21.00
Erna Ómarsdóttir – IBM1401 – A User’s Manual (in memoriam)
Turbina 2 – 50′
about the performance
IBM 1401 – A User´s Manual (in memoriam) è una meditazione sul complesso rapporto tra l’essere umano e le macchine che crea. Si basa sulla storia del primo computer arrivato in Islanda, nel 1964. L’IBM 1401 non era stato progettato per riprodurre musica, ma posizionando un ricevitore radio vicino ad esso e programmando la sua memoria in un certo modo, si potevano produrre semplici melodie. All’IBM 1401 fu insegnato a “cantare” e le persone che operavano su di esso gli conferirono una capacità molto umana che non avrebbe “dovuto” avere. Quando successivamente arrivò un nuovo modello che lo rese obsoleto e superfluo, non venne semplicemente gettato via, ma ricevette una piccola cerimonia funebre in cui tutte le persone che avevano lavorato con lui espressero la loro gratitudine e il loro dolore. Il tutto venne documentato su nastro con registrazioni del suono della macchina in funzione e anche della musica riprodotta dal computer. La musica della pièce si basa su queste registrazioni. L’opera intende esplorare i temi sopra citati usando come cornice questa semplice storia simile a una fiaba. Il brano fonde movimenti di danza con una scenografia e una musica che riflettono i temi della tecno-nostalgia/tecnologia abbandonata, del nutrimento (programmare un computer/crescere la prole), corpo/macchina, intelligenza umana e artificiale, macchine e sessualità, progresso tecnologico/evoluzione umana. La coreografia utilizza elementi del corpo come macchina e della danza come energia misteriosa, inquietante e intangibile, come l’elettricità. Esplora inoltre sia i movimenti meccanici che quelli organici, accostandoli alla ricerca di un legame tra i due.
Il lavoro coreografico e performativo di Erna Ómarsdóttir include IBM 1401, We are all Marlene Dietrich for, Transaquania, Black Marrow, Shrine, Dies Irae (video), Union of the North (film), Best Of Darkness e Romeo&Juliet. Erna ha collaborato con Valdimar Jóhannsson sotto lo pseudonimo di Shalala e la coppia forma anche una band teatrale chiamata LAZYBLOOD. In passato, Erna Ómarsdóttir ha lavorato a stretto contatto con l’artista visiva Gabríela Friðriksdóttir e con i musicisti Björk, Sigur Rós, Ólöf Arnalds, Jóhann Jóhannsson e Ben Frost. È attualmente direttrice artistica della Iceland Dance Company.
IBM 1401 – A User´s Manual (in memoriam) is a meditation on the complex relationship between man and the machines he creates. It is based around the story of the first computer to come to Iceland, in 1964. IBM 1401 was not designed to play music, yet by placing a radio receiver close to it and by programming its memory in a certain way, simple melodies could be produced. IBM1401 was taught to “sing”, and its operators gave it a very human ability that it wasn´t “supposed” to have. Then, when a new model arrived that made it redundant, it wasn´t simply thrown away, but was given a little funeral ceremony where its operators expressed their gratitude and their sorrow. This was documented on tape with recordings of the sound of the machine in operation and also of music played by the computer. The music in the piece is based on these recordings. The piece seeks to explore the above themes using this simple fairy-tale like story as a frame. It blends dance movements with a set-design and music that reflects themes of techno-nostalgia/discarded technology, nurture (programming computers/raising children), body/machine, human and artificial intelligence, machines and sexuality, technological progress/human evolution. The choreography uses elements of the body as machine and dance as a mysterious, uncanny and intangible energy, much like electricity. The choreography explores both mechanical movements and organic movements and juxtaposes the two, seeking to find the link between them.
Erna Ómarsdóttir‘s choreographic and performative work includes IBM 1401, We are all Marlene Dietrich for, Transaquania, Black Marrow, Shrine, Dies Irae (video), Union of the North (film), Best Of Darkness and Romeo&Juliet Erna has worked together with Valdimar Jóhannsson, as Shalala and the pair also form a theatrical band called LAZYBLOOD. Erna Ómarsdóttir has in the past worked closely with visual artist Gabríela Friðriksdóttir and musicians Björk, Sigur Rós, Ólöf Arnalds, Jóhann Jóhannsson and Ben Frost. She is currently artistic director of the Iceland Dance Company.
SABATO 27 LUGLIO – SATURDAY, 27 JULY
ore/h 19.30
Anne Lise Le Gac & Anat Bosak – DOPA
Sala Comando – 60′
about the performance
Nelle SYNUSIA di DOPA, hacker tentano di smontare, modificare e dirottare gli oggetti di sistema nelle loro mani. Può trattarsi di un organismo luminescente, di una regola di buona condotta militare, di una cornamusa o di un condizionatore d’aria. Su ogni nuovo terreno mappano le fonti di energia, elencano i vincoli, calcolano i watt bruciati e raccolgono storie nascoste. DOPA non può prevedere la propria evoluzione e si nutre di un accumulo di fermenti contenuti nei luoghi che attraversa. Queste persone esperte di hackeraggio investono in beni immobili deperibili, alterabili e latitanti. Le perdite sono prevedibili, così come le ondate di calore, ma loro saranno con voi a ogni passo.
DOPA è una situazione performativa e collettiva con una struttura progettata per includere un processo generativo, la fabbricazione dei suoi materiali attinti da contesti singolari utilizzando strumenti di facile utilizzo e la pratica del commoning. DOPA nasce da una semplice osservazione. Oggi l’energia è considerata infinita, ma i suoi limiti sono ben visibili. In una prospettiva di decrescita, quanta energia possiamo mobilitare in proporzione a quante prestazioni?
Fondata nel 2016 da Anne Lise Le Gac, la compagnia OKAY CONFIANCE supporta il lavoro della coreografa e gestisce l’omonimo festival basato sul concetto di DIT (Do It Together) in Francia e all’estero. Forte delle sue numerose reti e delle energie collaborative delle persone che cooperano alle creazioni, OKAY CONFIANCE ha deciso di trasformarsi nel 2023 e aprire la sua struttura e le proprie produzioni a nuove collaborazioni, accogliendo Pauline L. Boulba, coreografa, Aminata Labor, performer e artista visiva, e Alto Fuero (il musicista Loto Retina e la musicista Victoria Palacios).
In DOPA’s SYNUSIAs, hackers attempt to dismantle, tweak and hijack system-objects in their hands. This may involve a luminescent organism, a rule of good militant conduct, a bagpipe or an air conditioner. On each new terrain, they map energy sources, list constraints, calculate burned watts, harvest hidden stories. DOPA can’t predict its own evolution, and feeds on an accumulation of ferments contained in the places it crosses. These hackers invest in real estate that is perishable, alterable and fugitive. Leaks are to be expected, as are heat waves, but they’ll be with you every step of the way. DOPA is a performative and collective situation with a structure designed to include a generative process, the fabrication of its materials drawn from singular contexts using user-friendly tools, and the practice of commoning. DOPA was born of a simple observation. Today, energy is considered infinite, but its limits are visible. From a degrowth perspective, how much energy can we mobilise for how much performance?
Created in 2016 by Anne Lise Le Gac, the OKAY CONFIANCE company supports the choreographer and runs the eponymous festival based on DIT (Do It Together) in France and abroad. On the strength of its many networks and the collaborative energies of its peers, OKAY CONFIANCE decided to transmute in 2023 and share its structure with other artists: Pauline L. Boulba, a choreographer, Aminata Labor, a performer and visual artist, and Alto Fuero (Loto Retina, Victoria Palacios), musicians, are welcomed for production and companionship.
ore/h 21.30
Crème Solaire – Cemento
Club
Turbina 1 – 50′
about the performance
Crème Solaire, il duo electro-punk svizzero composto da Rebecca Solari (She/Her/Them/Him) e Pascal stoll (He/Him), presenta “Cemento”, il terzo album della band. 11 brani, come sempre multilingue, esplorano l’uniformità e l’alienazione della società e il rapporto umano-natura attraverso la metafora del cemento.
Il cemento, il calcestruzzo, fa schifo. È grigio, è duro e il più delle volte schiaccia tutte le belle cose verdi che crescono. Ma a volte ci sono piante che trovano la loro strada nelle crepe, che germogliano e fioriscono nonostante il grigiore. E questo è qualcosa che va celebrato e incoraggiato. È quello che fa Crème Solaire in “Cemento”, dove la band usa questa metafora per esplorare la normatività e la resistenza. Con brani dal ritmo irrefrenabile (“Calicanti” e “Sguardo”), ma anche più duri (il ritmo ipnotico di “Anormal”, le urla al limite del metal di “Balade”) e persino psichedelici (la superba traccia di chiusura “Chaos), evocano la lotta alle convenzioni, incoraggiandoci ad abbracciare l’unicità e l’autenticità. In tutto “Cemento”, la dualità tra identità umana e natura viene osservata al microscopio, evocando immagini diverse per illustrare questa relazione complessa e la possibilità di diventare personaggi, di estraniarsi dalla realtà.
Crème Solaire: dall’elettro-punk agli effetti esplosivi.
Crème Solaire nasce dalla prima ondata de la Gustav. Questo trampolino e lo sviluppo di vari progetti artistici hanno permesso al duo di creare numerose connessioni all’interno dell’ecosistema della musica contemporanea in Svizzera. Ciò ha spinto il gruppo a sviluppare il progetto nelle quattro lingue nazionali del paese e a esibirsi in tutte le sue regioni e su una grande diversità di palcoscenici (da Paléo a Muzzano). Dal 2018, il duo si esibisce in Svizzera e in Europa, portando sul palco sudore e speranze da urlare al pubblico: un progetto performativo e musicale assetato di libertà, rabbie, amori e rivolte. In un universo strano e intenso, il gruppo, composto da Rebecca Solari e Pascal Stoll, compone, condivide, suona e risuona di nuove teste e nuove storie.
Concrete, cement, it’s awful. It’s gray, it’s hard, and most of the time, it crushes a lot of lovely green things which grow around us. But sometimes, plants sneak into the cracks, sprout, and bloom despite the grayness. And that is something to celebrate and encourage. This is what Crème Solaire does with “Cemento”, where the group uses this metaphor to explore normativity and resistance. With irresistible tracks (“Calicanti” and “Sguardo”), but also harsher pieces (the hypnotic beat of “Anormal”, the metal-like screaming of “Balade”), and more ethereal ones (the beautiful closing track “Chaos”), the album engages with struggles against conventions, encouraging us to embrace uniqueness and authenticity. Throughout “Cemento”, the duality between human identity and nature is also examined, evoking diverse images to illustrate this complex relationship and the possibility of becoming characters, of extracting oneself from reality. Rather than presenting a disheartened observation, “Cemento” is mainly an invitation to metamorphosis and empowerment, to “become a flower”, as they say. And that’s a crucial point: these are songs to make the audience dance, united, sweating, and resisting together.
Crème Solaire: from electro-punk to explosive effects.
Crème Solaire was born out of the first class of La Gustav academy. This springboard and the development of various artistic projects enabled the duo to establish several connections in the Swiss contemporary music ecosystem. This prompted the group to develop the project in all four national languages and to perform it in all regions of the country, on a wide variety of stages (from Paléo to Muzzano). Since 2018, the duo has performed in Switzerland and Europe, always sweating with hopes to shout on the stage. A performative and music project thirsty for freedom, anger, love and revolt. In a strange and intense universe, this group, composed of Rebecca Solari and Pascal Stoll, compose, share, play and replay new faces and new stories.
ore/h 22.30
No Plexus – Concert/performance
Club
Turbina 1 – 60′
about the performance
No Plexus è un duo di musica elettronica sperimentale queer composto da No Compliments e Bec Plexus. Il loro approccio alla musica basato sui concetti è il risultato di un background comune nella musica classica contemporanea che si fonde con un’affinità condivisa per la musica elettronica. I live set di No Plexus combinano performance vocali grezze e fisiche, ancorate a una programmazione di batteria densamente dettagliata e a un design sonoro e visivo in continua evoluzione.
No Plexus is a genre-queer experimental electronic music duo consisting of artists No Compliments and Bec Plexus. Their concept-driven approach to music is the result of both artists’ background in contemporary classical music fusing with a shared affinity for electronic music. Live sets from No Plexus combine raw and physical vocal performances, anchored by densely detailed drum programming and ever-evolving sound and visual design.
ore/h 23:30
Aïsha Devi – Live Show
Club
Turbina 1
about the performance
Nessuno su questo pianeta suona come Aïsha Devi. La sua voce è il suo strumento più potente in un repertorio che include ritmi martellanti e stab rave, canti serafici e gutturali, linguistica mistica e sonorità corporee. Nata in Svizzera con origini indigene nepalesi, ha forgiato un’identità trasversale che guida tanto il suo processo personale, quanto quello creativo. Dislocare la cultura pop è uno dei suoi strumenti fondamentali, come appare evidente anche nei suoi mix per Resident Advisor, FACT, NTS, BBC Radio e Mixmag, Nel 2013 Devi ha co-fondato Danse Noire, una label collettiva che supporta la musica elettronica insurrezionalista da tutto il mondo, per la quale ha pubblicato il suo EP di debutto, seguito da Hakken Dub / Throat Dub nel 2014, definendo il proprio mondo sonoro al fianco di personalità artistiche come Ruhail Qaisar, Yikii e altre ancora. Nel 2015, Aïsha Devi ha pubblicato il suo album di debutto, Of Matter And Spirit, una dichiarazione sonora carica di sottotesti politici e filosofici. Nel 2018 è stato pubblicato il suo secondo album, DNA Feelings, un disco acclamato per come affronta l’impatto del suono a livello subatomico. Il 10 novembre 2023 è uscito Death Is Home, il suo album più personale e accessibile fino a oggi. Anche se attualmente utilizza la musica come principale mezzo di espressione, la pratica di Devi ha profonde basi interdisciplinari: ha studiato graphic design, collabora con altre persone attive nelle artisti visive e performative, e realizza interventi personali nel mondo dell’arte. Devi ha lavorato a stretto contatto con l’artista cinese Tianzhuo Chen per la realizzazione di una serie di video, e ha performato insieme al collettivo Asian Dope Boys, in particolare presso The Barbican e The Broad Museum (LA). Recentemente ha anche composto per la BBC Concert Orchestra, con la quale si è esibita alla Queen Elisabeth Music Hall di Londra.
Aïsha Devi è altrettanto magnetica nelle esibizioni soliste. Con la sua ipnotica costruzione di mondi digitali e la sua presenza scenica ammaliante, ha conquistato i pubblici di CTM, Primavera, Unsound, Roskilde, Dark Mofo, MoMA PS1 e centinaia di festival e sale da concerto, dal Giappone al Messico e oltre.
No one on this planet sounds like Aïsha Devi. Her voice is her most powerful tool in a repertoire that includes thumping beats and rave stabs, seraphic and guttural singing, mystical linguistics and corporeal sonics. Born in Switzerland with Nepali Indigenous heritage, a transversal identity was forged, guiding both her personal and creative process. Dislocating pop culture, also evident in her mixes for Resident Advisor, FACT, NTS, BBC Radio and Mixmag, is one of her foundational tools. In 2013 Devi co-founded Danse Noire, a label collective supporting insurrectional electronic music from around the world, where she released her breakout EP, followed by ‘Hakken Dub / Throat Dub’ in 2014, giving context to her universe alongside artists including Ruhail Qaisar, Yikii, and more.In 2015, Aïsha Devi released her debut album, ‘Of Matter And Spirit’, a significant sonic statement rich in political and philosophical subtext. 2018 saw the release of Devi’s sophomore album, ‘DNA Feelings’, an acclaimed record addressing the impact of sound on an atomic level. On Nov.10, 2023 she will release ‘Death Is Home’, her most personal and accessible album to date. While she currently uses music as her primary medium of expression, Devi’s practice is fundamentally interdisciplinary – she studied graphic design and collaborates with visual and performance artists as well as making her own interventions within the art world. Devi has worked closely with Chinese artist Tianzhuo Chen on a string of videos, as well as performances together with the Asian Dope Boys collective, most notably at The Barbican and The Broad Museum (LA). She has also recently composed for and performed with the BBC Concert Orchestra at London’s Queen Elizabeth Music Hall.
But Aïsha Devi is just as magnetic performing solo. With her mesmeric digital world-building and captivating stage presence she has bowled over crowds at CTM, Primavera, Unsound, Roskilde, Dark Mofo, MoMA PS1 and hundreds of festivals and venues from Japan to Mexico and beyond.
ore/h dalle/from 00.30
Rifugio Amore – DJ Set
Club
Cortile Forgia
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