19.07 —- 21.07.24
a cura di / curated by Barbara Boninsegna e / and Simone Frangi
opening 18.07, ore/h 18.00
EXHIBITION MATERIAL SELF
18.07 —- 21.09.2024
Caroline Achaintre, Chiara Bersani, Benni Bosetto, Rehema Chachage, Julien Creuzet, Sonia Kacem, Sandra Mujinga a cura di / curated by Simone Frangi e Barbara Boninsegna
about the exhibition
Nell’ambito di Live Works Summit 2024, Centrale Fies inaugura il secondo episodio di una trilogia di mostre performative (2023-2025), a cura di Barbara Boninsegna e Simone Frangi, dedicate ai concetti espressi nella produzione teorica della pensatrice femminista neo-materialista Stacy Alaimo. Dopo il primo episodio del 2023, incentrato sulla nozione di naked word (parola nuda), ci interrogheremo quest’anno sull’idea di material self (sé materiale) con cui Alaimo mette a tema, nel volume “Bodily Natures: Science, Environment, and the Material Self” del 2010, l’azione e il significato delle “forze materiali” e della loro interfaccia con i corpi umani. Cercando di rispondere ai medesimi quesiti che Alaimo pone nel suo pensiero post-antropocentrico, critico nei confronti del superbo eccezionalismo umano – cosa significa “essere umani” con corpi che sono inestricabilmente interconnessi con il nostro mondo fisico? Come il corpo umano reagisce a forze materiali potenti e pervasive e registra i loro effetti sempre più dannosi ? – la mostra Material Self suggerisce che la “nuova” relazione tra corpi e la natura ha profondamente alterato il nostro senso di sé, creando un’inedita vicinanza del corpo umano all’ambiente e una rinnovata comprensione, di tipo relazionale, dei concetti di “casa”, “rifugio” e “abitare il mondo”.
Within the context of the Live Works Summit 2024, Centrale Fies launches the second episode of a trilogy of performative exhibitions (2023-2025), curated by Barbara Boninsegna and Simone Frangi, dedicated to the concepts expressed in the theoretical work of neo-
materialist feminist thinker Stacy Alaimo. Following the first episode in 2023, which focused on the notion of the “naked word”, this
year the idea of the “material self” will be investigated. This is a concept that Alaimo examined in her 2010 book “Bodily Natures: Science, Environment, and the Material Self”, framing the action and meaning of “material forces” and their interfaces with human bodies.
The exhibition seeks to answer the same questions which Alaimo poses in her post-anthropocentric thinking, which is critical of the superb exceptionalism of humans: what does it mean to “be human” with bodies that are inextricably interconnected with the physical
world? How does the human body react to powerful and pervasive material forces and register their increasingly damaging effects? Material Self suggests that the “new” relationship between bodies and nature has profoundly altered our sense of self, creating an unprecedented proximity of the human body to the environment and a renewed relational understanding of the concepts of “home”, “shelter” and “inhabiting the world”.
OPENING FILM AND PERFORMANCE EXHIBITION PROGRAM
GIOVEDÌ 18 LUGLIO – THURSDAY 18 JULY
18.07 – dalle ore/ from h 18.00
Julien Creuzet – mon corps carcasse / se casse, casse, casse (…)
video
Forgia – video HD, colore, audio, 7’37’’
entrata ed uscita libere durante il video / it will be possible to enter and exit freely during the video
about the video
In un sapiente connubio di immagini e movimento, questo video fa vibrare l’Auditorium attraverso un dinamico e ipotonico medley di ritmi Afro-pop. Il video dal titolo “Mon corps carcasse (…)” è una collisione di suoni spezzettati e manipolati, sovrapposti a immagini d’archivio, oggetti animati in 3D e simboli. Ne emerge un vocabolario penetrante, carico di narrazioni dense che scaturiscono direttamente da una riflessione critica sull’inquinamento del suolo causato dall’uso massiccio del pesticida noto come clordecone. Estremamente tossico e cancerogeno, il clordecone è stato ampiamente utilizzato dal 1972 al 1993 in Martinica e Guadalupa da importanti industrie francesi e americane nella coltivazione di banane, nonostante durante lo stesso periodo il suo impiego fosse severamente vietato nella Francia continentale. Lo scandalo ha causato una catastrofe ambientale che ha contaminato fiumi, piante, animali e terreni, causando gravi problemi di salute alle popolazioni locali. Il video mescola e sovrappone la bandiera francese, alberi di banane che pulsano ritmicamente nella foresta tropicale, onde di monete d’oro, globuli rossi, organi e pillole, corpi pixelati che danzano osservati attraverso un filtro rosso sangue. Le immagini si alternano tra sequenze con un’estetica che richiama i videogiochi e i videoclip degli anni ‘90, mentre il loro susseguirsi sfida qualsiasi classificazione narrativa lineare. È un lavoro tanto poetico quanto oggettivo, che rivela un legame inscindibile tra l’avvelenamento coloniale sia dei corpi che dei territori.
Julien Creuzet è un artista di origine franco-caraibica, nato nel 1986, che vive e lavora a Montreuil. Artista visivo e poeta, intreccia attivamente queste due pratiche attraverso assemblaggi di scultura, installazione e intervento testuale che spesso affrontano la sua esperienza diasporica. Ispirato dalle riflessioni poetiche e filosofiche di Aimé Césaire ed Édouard Glissant sulla creolizzazione e la migrazione, il lavoro di Creuzet si focalizza sulla problematica intersezione tra la storia della Martinica e gli eventi della modernità europea. Julien rappresenterà la Francia alla 60ª Biennale di Venezia nel 2024 e le sue opere sono attualmente esposte in una mostra personale al Magasin CNAC di Grenoble (FR). Il lavoro di Julien Creuzet è stato esposto a LUMA, Arles & Zurigo (FR & CH); Camden Art Center, Londra (UK); Centre Pompidou, Parigi (FR); Palais De Tokyo, Parigi (FR); CAN Centre d’Art Neuchâtel, Neuchâtel (CH); Fondation d’Entreprise Ricard, Parigi (FR); Bétonsalon, Parigi (FR) e presso altre istituzioni.
Ha partecipato a numerose mostre collettive istituzionali come Performa Biennial 2023 (US); 35ª Biennale di São Paulo (BR); 12ª Biennale di Liverpool (UK); Museum of Contemporary Art Chicago (US); Musée Tinguely, Basilea (CH); National Gallery of Prague (CZ); Wesleyan University Center for the Arts, Middletown (US); Manifesta 13, Marsiglia (FR); Musée d’Art Moderne de Paris (FR); Biennale di Kampala (UG); Biennale di Gwangju (KR). Le sue opere sono parte di prestigiose collezioni che includono, tra le altre, Centre Pompidou (FR); CNAP (FR); MMK Museum (DE); Fondation Villa Datris (FR); Fondation d’Entreprise Galeries Lafayette (FR); Fonds d’Art Contemporain, Parigi (FR); FRAC (Bourgogne, Champagne-Ardenne, Grand Large, Ile-de-France, Méca, Pays de la Loire, FR); Carré d’Art-Musée d’Art Contemporain (FR); Kadist Foundation (US). Creuzet è stato insignito del Premio Etants Donnés 2022, del BMW Art Journey Award 2021, del Camden Arts Centre Emerging Artist Prize di Frieze nel 2019 e nominato nel 2021 per il Premio Marcel Duchamp.A masterful blend of images and movement, this video sets the Auditorium abuzz with a dynamic, hypnotic medley of Afro-pop rhythms. The video entitled Mon corps carcasse (…) is a collision of chopped and screwed sounds with overlays of archive images, 3D animated objects, and symbols. A loaded and insightful vocabulary emerges. It is a dense narrative that springs directly from a critical reflection on the soil pollution caused by the mass use of the pesticide chlordecone. Extremely toxic and carcinogenic, it was widely used from 1972 to 1993 in Martinique and Guadeloupe by major French and American industrial companies to grow bananas, while it was strictly forbidden in mainland France during that same period. The scandal resulted in an environmental disaster that contaminated rivers, plants, animals, and land while also causing severe health problems for local populations. The video superimposes the French flag, banana trees pulsating rhythmically in a tropical forest, waves of gold coins, blood cells, organs and pills, and pixelated bodies dancing as seen through a blood-red filter. The images alternate between sequences with a video- game aesthetic and video clips from the 1990s, their succession defying any linear narrative classification. It is a work that is as poetic as it is factual, revealing an inseparable link between the colonial poisoning of both bodies and territories.
Julien Creuzet is a French-Caribbean artist, born in 1986, who lives and works in Montreuil. A visual artist and poet, he actively intertwines these two practices via amalgams of sculpture, installation and textual intervention that frequently address his own diasporic experience. Inspired by the poetic and philosophical reflections of Aimé Césaire and Édouard Glissant on creolization and migration, Creuzet’s work focuses on the troubled intersection of the history of Martinique and the events of European modernity. Julien represents France at the 60th Biennale de Venezia in 2024 & has currently a solo show at the Magasin CNAC in Grenoble (FR). Julien Creuzet’s work has been exhibited at LUMA, Arles & Zurich (FR & CH); Camden Art Center, London (UK); Centre Pompidou, Paris (FR); Palais De Tokyo, Paris (FR); CAN Centre d’Art Neuchâtel, Neuchâtel (CH); Fondation d’Entreprise Ricard, Paris, (FR); Bétonsalon, Paris, (FR) and more. He has participated in numerous institutional group exhibitions as the Performa Biennal 2023 (US) ; 35th São Paulo Bienal (BR); 12th Liverpool Biennial (UK); Museum of Contemporary Art Chicago (US); Musée Tinguely, Basel, (CH); National Gallery of Prague, (CZ); Wesleyan University Center for the Arts, Middletown, (US); Manifesta 13, Marseilles, (FR); Musée d’Art Moderne de Paris (FR); Kampala Biennale (UG); Gwangju Biennale (KR). His work is part of prestigious collections as the Centre Pompidou (FR); CNAP (FR); MMK Museum (DE); Fondation Villa Datris (FR); Fondation d’entreprise Galeries Lafayette (FR); Fonds d’art Contemporain, Paris (FR); FRAC (Bourgogne, Champagne-Ardenne, Grand Large, Ile-de-France, Méca, Pays de la Loire, (FR); Carré d’Art-Musée d’art contemporain (FR); Kadist Foundation (US) among others. Creuzet is the recipient of the 2022 Etants Donnés Prize, the 2021 BMW Art Journey Award, the 2019 Camden Arts Centre Emerging Artist Prize at Frieze and nominated in 2021 for the Marcel Duchamp Prize.
18.07 – ore/h 18.30
Rehema Chachage – A home for you I will create with exit pathways
Galleria Trasformatori – 40′
about the performance
Cosa significa veramente sentirsi appartenenti a un luogo? Cosa alimenta questa connessione innata, questa spontanea armonia tra sé stessi e l’ambiente? E quali sono le circostanze che danno origine a questo sentimento di sentirsi ‘a casa’? “Nitakujengea Kinyumba, na Vikuta Vya Kupitia” (Una casa per te creerò, dotata di vie d’uscita), pone queste domande al centro dell’attenzione. Con il suo progetto, Chachage si addentra nella complessità e diversità del fenomeno del radicamento, performando sulla scia di narrazioni e ricordi ereditati per via matrilineare—quelli di Nankondo, Bibi Mkunde e Mama Demere. Al cuore della performance sono la natura transitoria di questa sensazione e le sue implicazioni politiche intrinsecamente fragili. Lo spazio della performance funge sia da palcoscenico che da punto di incontro mentale: Chachage crea meticolosamente un ambiente associativo impiegando un’accurata selezione di materiali naturali, all’interno dei quali vengono incisi ricordi di storie, canzoni, rituali e tradizioni orali. Attraverso la sua performance, Chachage interagisce attivamente con questo ambiente, esplorando il ruolo del proprio corpo e delle sue interazioni con gli altri nella ricerca di un senso di casa. Tuttavia, la natura effimera del mezzo della performance sottolinea l’idea che qualsiasi sentimento di appartenenza è indefinito e passibile di interruzioni in qualsiasi momento.
Le opere di Rehema Chachage fanno parte di una pratica espansa, che accoglie la collaborazione con sua madre e sua nonna attraverso una ricerca basata sui processi. Insieme, creano un “archivio performativo” che “colleziona” e “organizza” in modo non tradizionale storie, pratiche, rituali e altre tradizioni orali in diversi media: performance, fotografia, dispositivi olfattivi, video, saggi e testi, oltre a installazioni materiche. Tali opere esplorano spesso il disseppellimento della storia, dello spazio e del corpo – o le modalità attraverso le quali il corpo e la terra ricordano – utilizzando metodi che impiegano narrazione, matrilinearità, modalità alternative di fare e conoscere, nonché altre metodologie sia incarnate che istintive.
What does it truly mean to feel a sense of belonging in a place? What nurtures this innate connection, this spontaneous harmony between oneself and the environment, and what are the circumstances that give rise to this feeling of being at ‘home’? In “Nitakujengea Kinyumba, na Vikuta Vya Kupitia” (A Home for You I Will Create, with Exit Pathways), these inquiries are at the forefront. Through her project, Chachage delves into the complexity and diversity of the phenomenon of rootedness by performing alongside narratives and memories inherited from her matrilineage—those of Nankondo, Bibi Mkunde, and Mama Demere. Central to the performance is the transient nature of this sensation and its inherently fragile political implications. The performance space serves as both a stage and a mental nexus: Chachage meticulously crafts an associative environment using a curated selection of natural materials, within which memories from stories, songs, rituals, and oral traditions are etched. Through her performance, Chachage actively engages with this environment, navigating the role of her body and its interactions with others in the quest for a sense of home. Yet, the fleeting nature of performance as a medium underscore the idea that any feeling of belonging is indefinite and susceptible to disruption at any moment.
Rehema Chachage has an expanded practice which extends to her mother and grandmother through process-based research. Together, they create a ‘performative archive’ which untraditionally ‘collects’ and ‘organizes’ stories, practices, rituals and other oral traditions in different media; performance, photography, olfactory, video, essays and text, as well as physical installations. These have often explored the unearthing of history, space, and the body (how the body and the land remember) by using methods that employ storytelling, the matriline, alternative ways of doing and knowing, as well as other methodologies which are both embodied and instinctual.
18.07 – ore/h 19.30
Benni Bosetto – Babau & Brouny
Galleria Trasformatori – 30′
about the performance
Due figure umane rivestite da elementi botanici: foglie, fiori e rami, si muovono nello spazio scambiando gesti di cura e affetto. Sono maschere che si fondono l’una con l’altra e proiettano l’attenzione verso uno sguardo che sconfina e fonde il corpo con l’ambiente che lo circonda. Attraverso la mimesi ed un processo di tipo animistico eco femminista Bosetto ritrae un atto d’amore tra figure ibride e mostruose, riprendendo l’immaginario dalle antiche tradizioni folcloristiche pagane e carnevalesche. Babau proviene dalla mitologica figura fiabesca europea dell’uomo nero, l’orco, il mostro immaginario dalle caratteristiche indefinite. Le piante selezionate dall’artista infatti sono le stesse che vedeva dalla finestra della sua cameretta le quali nell’oscurità notturna si trasformavano ai suoi occhi in splendide figure mostruose. Uno strutturale animismo irriflessivo e inconsapevole che diventa strumento per offrire una differente visione della natura e per un approccio all’amore di tipo univoco e interspecie.
Benni Bosetto (1987, Merate) vive e lavora a Milano. Si è laureata all’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano, e ha studiato al Sandberg Instituut, Amsterdam. Le sue recenti mostre personali includono Emanuela Campoli, Milano; MAMbo Museo d’Arte Moderna, Bologna, (2022); Almanac, Torino (2020); Kunstraum, Londra (2019); Fonderia Battaglia, Milano (2018); Convento de los Domenicos, Eivissa (2017); Tile Project Space, Milano (2016). Le sue recenti mostre collettive includono Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene; Triennale di Milano, Castello di Rivoli, Torino; (2023) MAXXI L’Aquila (2022); GAMEc, Bergamo (2022); Galleria Civica, Trento (2021); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (2021); Quadriennale d’arte, Palazzo delle Esposizioni, Roma (2020); Palazzo Re Rebaudengo, Guarene (2020); Villa Medici, Roma (2019); Artissima Special Project, Torino (2019); MAMbo, Bologna (2019); OGR, Torino (2018); Fondazione Baruchello, Roma (2018).
Two human figures covered in botanical elements: leaves, flowers, and branches, move through the space sharing gestures of care and affection. They are masks merging into one another and focusing their attention on a gaze that stretches beyond the body, melting it into the surrounding environment. Through mimesis and a process akin to animistic eco-feminism, Bosetto portrays an act of love between hybrid and monstrous figures, drawing from the iconography of ancient pagan and carnivalesque folklore traditions. “Babau” comes from European fairy tale tradition, inspired by the mythological figure of the bogeyman, the ogre, the imaginary monster with indefinite characteristics. The plants selected by the artists are the same ones she saw from the window of her childhood bedroom, which in the darkness of the night transformed into stunning monstrous figures in her eyes. A structural, reflexive and unconscious animism that becomes a tool to offer a different vision of nature, towards a unique and interspecies approach to love.
Sound design Vito GattoBenni Bosetto (1987, Merate) lives and works in Milan. She graduated from the Academy of Fine Arts of Brera, Milan, and studied at the Sandberg Instituut, Amsterdam. Recent solo exhibition include Emanuela Campoli, Milan; MAMbo Museo d’Arte Moderna, Bologna, (2022); Almanac, Turin (2020); Kunstraum, London (2019); Fonderia Battaglia, Milan (2018); Convento de los Domenicos, Eivissa (2017); Tile Project Space, Milan (2016). Her recent group exhibitions include Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene ; Triennale di Milano, Castello di Rivoli, Torino; (2023) MAXXI L’Aquila (2022) ; GAMEc, Bergamo (2022) ; Galleria Civica, Trento (2021); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome (2021); Quadriennale d’arte, Palazzo delle Esposizioni, Rome (2020); Palazzo Re Rebaudengo, Guarene (2020); Villa Medici, Rome (2019); Artissima Special Project, Turin (2019); MAMbo, Bologna (2019); OGR, Turin (2018); Fondazione Baruchello, Rome (2018).
18.07 – ore/h 20.30 Cortile Forgia – Dj set | Lamin Fofana
LECTURE SERIES
VENERDì 19 luglio – Friday 19 July
ore/h 17.00
Suhaiymah Manzoor-Khan
Terme – 60′
La lecture sarà tenuta in lingua inglese / The lecture will be held in English
about the lecture
La pratica di Suhaiymah ha esplorato e cercato di interrompere le narrazioni “di senso comune” sulla violenza e la sicurezza che sostengono sistemi profondamente razzisti nelle nostre società. Attraverso il suo podcast “breaking binaries” Suhaiymah ha rivelato le ragioni per cui ci affidiamo a idee dicotomiche sulle persone immigrate, dividendole in buone e cattive. Co-fondatrice di Neima Collective, progetto che opera in solidarietà con persone musulmane in prigione nel Regno Unito, è stata in grado di produrre modalità di collaborazione e dal basso per affrontare direttamente i danni quotidiani del razzismo binario proprio del complesso industriale della sicurezza. Suhaiymah utilizza molteplici forme per accendere l’immaginazione e interrompere schemi di pensiero, che comprendono poesia, prosa e workshop. Crede fermamente nella trasformazione dei nostri modi di accostarci a temi come la giustizia e il male, radicando il proprio approccio al di fuori di uno strangolamento proprio di un immaginario laicista, ma impegnandosi invece per una concezione di verità e giustizia come concetti universali. Suhaiymah cerca di spingere sé stessa e altre persone ad abbracciare il disagio, a sostenere più pensieri contemporaneamente e a scavare più a fondo nelle nostre intenzioni.
Suhaiymah Manzoor-Khan è una poetessa e scrittrice di base in Gran Bretagna, il cui lavoro sconvolge la tradizionale accezione dei concetti di storia, razza, violenza e conoscenza. È autrice di Tangled in Terror e della raccolta di poesie Postcolonial Banter; è coautrice di A FLY Girl’s Guide to University e ha contribuito alle antologie Cut from the Same Cloth? e I Refuse to Condemn. I suoi testi sono apparsi su The Guardian e Al Jazeera, e le sue poesie hanno ottenuto milioni di visualizzazioni sul web. È co-fondatrice del Nejma Collective, un gruppo di persone musulmane che lavora in solidarietà con persone detenute in carcere. Vive a Leeds e sta attualmente lavorando alla sua prima opera teatrale, Peanut Butter and Blueberries, in scena al Kiln Theatre da agosto 2024.
Suhaiymah’s work has explored and attempted to disrupt “common sense” narratives about violence and security which uphold deeply racist systems in our societies. Through her “breaking binaries” podcast she revealed the reasons that we rely on dichotomous ideas of good/bad people, immigrants, etc. Through her co-founding of the Nejma Collective, working in solidarity with Muslims in prison in the UK, she has also been able to work in collaborative and grassroots ways to directly address the everyday harm of the racist binaries of the security-industrial-complex. Suhaiymah uses multiple forms to spark imaginations and disrupt thought patterns, from poetry to prose to workshops. She believes deeply in transforming our modes of approaching justice and harm, rooting herself outside of a the strangulation of a secular imaginary and committing instead to the notion of a universal truth and justice. Suhaiymah tries to push herself and others to sit with discomfort, hold multiple thoughts at once, and dig deeper into our own intentions.
Suhaiymah Manzoor-Khan is a poet and writer based in the UK whose work disrupts assumptions about history, race, violence and knowledge. She is the author of Tangled in Terror and the poetry collection Postcolonial Banter; a co-author of A FLY Girl’s Guide to University; and a contributor to the anthologies Cut from the Same Cloth? and I Refuse to Condemn. Her writing has also featured in The Guardian and Al Jazeera, and her poetry has been viewed millions of times online. She is a co-founder of the Nejma Collective, a group of Muslims working in solidarity with people in prison. She is based in Leeds and is currently writing for theatre with her debut play, Peanut Butter and Blueberries on at the Kiln theatre in August 2024.
SABATO 20 LUGLIO – SATURDAY, 20 JULY
ore/h 17.00
Francesca Albanese con Karem Rohana in dialogo con Mackda Ghebremariam Tesfau con intervento performativo di Mohammed El Hajoui, Ardna
Terme – 60′
Il talk sarà tenuto in lingua italiana / The talk will be in Italian
about the talk
L’incontro vede un dialogo sulla questione palestinese tra Francesca Albanese, Relatrice speciale delle Nazioni Unite sui territori palestinesi occupati, e Karem Rohana, attivista, storyteller e divulgatore, moderati da Mackda Ghebremariam Tesfau’. Mentre scriviamo questa presentazione l’esercito israeliano è entrato a Rafah, valico del confine sud di Gaza. Occupando Rafah da terra e presidiando ormai tutti i confini della striscia, l’ingresso di aiuti umanitari è completamente sotto controllo israeliano. Sono mesi che la popolazione gazawi, composta quasi interamente di persone rifugiate, viene sistematicamente affamata come tattica di guerra. Dal 7 ottobre 2023 abbiamo assistito alla radicalizzazione di un processo in atto da decenni, definito da Ilan Pappè come un genocidio incrementale. Il popolo palestinese è vittima di un colonialismo di insediamento che ha destabilizzato l’area materializzando un conflitto etno-religioso in quella che è chiamata “Terra Santa” dai tre monoteismi. Attraverso le parole di Albanese e Rohana tenteremo di ricostruire alcuni dei passaggi fondamentali di questa storia, prestando particolare attenzione alle strategie discorsive che l’occidente ha utilizzato e utilizza per disconoscere la portata epocale della tragedia coloniale in corso in Palestina.
Ardna è un termine arabo che significa “la nostra terra”. L’esecuzione e il processo è parte integrante del risultato finale, assume la stessa importanza, durante il lavoro si entra in uno stato di meditazione e di spiritualità poiché la realizzazione pratica consiste nel riflettersi, quasi come fosse un atto di devozione. A livello pratico la performance consisterà nel setaccio della cenere con movimenti precisi e sequenziali, con un passino, e uno stencil, andando a “tessere” progressivamente la Keffiyah, realizzando così un tappeto di cenere, effimero, intorno all’ulivo, destinato a scomparire.
Mohammed El Hajoui è nato nel 1995 in Marocco. Nel 2018 ha conseguito il diploma accademico di Graphic Design & Art Direction alla NABA a Milano. Nel 2022 ha vinto un premio speciale a Venezia che gli ha dato l’opportunità di frequentare la residenza artistica di Fabrica. Nel 2023 con il progetto “Radici” ha esposto all’Arsenale di Venezia, come finalista del concorso di Arte Laguna Prize, e a Milano.
Ardna is an Arabic term meaning “our land.” The execution and process are integral parts of the final outcome, holding equal importance. During the work, one enters a state of meditation and spirituality, as the practical realisation involves self-reflection, almost as if it were an act of devotion. Practically, the performance will consist of sifting ash with precise and sequential movements, using a sieve and a stencil, progressively “weaving” the Keffiyeh, thus creating an ephemeral ash carpet around the olive tree, destined to disappear.
Mohammed El Hajoui was born in 1995 in Morocco. In 2018, he earned an academic diploma in Graphic Design & Art Direction from NABA in Milan. In 2022, he won a special prize in Venice, which gave him the opportunity to attend the Fabrica artist residency. In 2023, with his project “Radici,” he exhibited at the Arsenale in Venice as a finalist in the Arte Laguna Prize competition, as well as in Milan.
DOMENICA 21 LUGLIO – SUNDAY, 21 JULY
ore/h 17.00
Brigitte Vasallo – Txarnega, the (im)possible memory of a non-place
Terme – 60′
La lecture sarà tenuta in lingua inglese / The lecture will be held in English
about the lecture
Tra il 1950 e il 1970 sei milioni di persone nello Stato spagnolo furono espulse dal loro luogo di residenza dai meccanismi biopolitici della dittatura franchista. Il luogo di origine di questa diaspora, il suo locus, non ha una continuità geografica, ma piuttosto ontologica. Tale processo ha significato la scomparsa delle campagne contadine pre-capitaliste e pre-agricole, nonché di forme di vita che erano state perseguitate in Europa fin dal XVI secolo e che, con noi, giungono alla fine. Le persone discendenti di quella che Pasolini chiamava “la mutazione antropologica” hanno assimilato come propria la storia dei luoghi monumentali, quelli che chiamerò “yes-places” (“luoghi del sì”). Recuperare la propria genealogia dalla terra intrappolata sotto le unghie, dai mondi fuori dal mondo, richiede anche la contestazione dei criteri di verità della memoria possibile e la costruzione di un’eredità mutante dell’essere altro.
Scrittrice, drammaturga e performer, cattedra Mercè Rodoreda di Studi Catalani presso l’Università di New York (CUNY), docente del Master in Genere e Comunicazione presso la UAB e ideatrice del 1° Festival della Cultura Txarnega a Barcellona. Senza studi universitari, è figlia di contadini di Chandrexa de Queixa esiliati dalla loro terra ed emigrati. Il suo lavoro ruota attorno ai meccanismi di costruzione dell’alterità, con particolare interesse per la differenza sessuale e la scomparsa delle epistemologie contadine.
Between 1950 and 1970, six million people in the Spanish state were expelled from their place of residence by the biopolitical mechanisms of the Francoist dictatorship. The place of origin of this diaspora, its locus, does not have geographical continuity, but rather ontological continuity, and this process meant the disappearance of the pre-capitalist and pre-agricultural peasant countryside, as well as forms of life that had been persecuted in Europe since the 16th century and that, with us, they come to an end. The descendants of what Pasolini called “the anthropological mutation” have assimilated as their own the history of monumental places, those that I will call “yes-places.” Reclaiming one’s own genealogy from the earth under one’s nails, from the worlds outside the world, also requires contesting the truth criteria of possible memory and constructing a mutant legacy of being otherness.
Brigitte Vassallo is a writer, playwright, and performer, Mercè Rodoreda Chair of Catalan Studies at the City University of New York (CUNY), lecturer for the Master in Gender and Communication at UAB, and founder of the 1st Txarnega Culture Festival in Barcelona. Without a university education, she is the daughter of farmers from Chandrexa de Queixa who were exiled from their land and emigrated. Her work revolves around the mechanisms of constructing otherness, with a particular interest in sexual difference and the disappearance of peasant epistemologies.
PERFORMANCE PROGRAM
VENERDì 19 luglio – FRIDAY, 19 JUly
ore/h 19.30
Valerie Tameu – Time and Again
Agitu Idea Gudeta fellow
Turbina 2 – 40′
about the performance
Un album fotografico diventa il ponte tra il rigore della rappresentazione e la dimensione sfumata e surreale del sogno e del desiderio, dove riecheggia il suono di una ninna nanna. Emergono frammenti della storia orale tramandata nella famiglia d’origine dell’artista, come un’eco di ricordi. Attraverso la complessità autobiografica e la disorganizzazione delle forme, l’artista desidera mettere in discussione la frequente semplificazione dei corpi afrodiscendenti e celebrarne invece la fluidità.
Valerie Tameu è autrice e performer. Laureata in studi di danza presso la Facoltà di Cinema, Spettacolo, Musica e Media di Torino, si è formata con diversi insegnanti della scena italiana e internazionale. La sua ricerca riguarda il rapporto tra performance e identità e la differenza tra memoria e immaginazione mentre la sua pratica artistica fonde creativamente corpi, idee, teorie e allucinazioni.
A photo album becomes the bridge between the rigor of representation and the nuanced, surreal dimension of dreams and desires, where the sound of a lullaby echoes. Fragments of oral history passed down through the artist’s family of origin emerge like echoes of memories. Through autobiographical complexity and the disorganization of forms, the artist aims to challenge the frequent simplification of Afro-descendant bodies and instead celebrate their fluidity.
Valerie Tameu is an author and performer. She graduated in dance studies from the Faculty of Cinema, Performing Arts, Music, and Media in Turin, and has trained with various teachers from the Italian and international scene. Her research focuses on the relationship between performance and identity, exploring the distinction between memory and imagination. In her artistic practice, she creatively merges bodies, ideas, theories, and hallucinations.
ore/h 21.00
Kae Tempest – Acapella performance
Live Works Guest
Turbina 1 – 50’
about the performance
Kae Tempest (They/Them) è poeta ed è una delle voci più influenti della scena letteraria e musicale contemporanea del Regno Unito. Kae ha prodotto opere teatrali, poesie, romanzi e saggi, ha pubblicato album ed effettuato numerose tournée, facendo il tutto esaurito da Reykjavik a Rio de Janeiro. Kae ha ricevuto la nomination al Mercury Music Prize per la coppia di album Everybody Down e Let Them Eat Chaos e due nomination all’Ivor Novello Awards per The Book of Traps e Lessons. Nel 2014 Kae ha ricevuto la nomination per Next Generation Poet, un riconoscimento che viene conferito con cadenza decennale. Kae ha ricevuto il Ted Hughes Award per il miglior poema narrativo con Brand New Ancients e il Leone d’argento per la miglior regia alla Biennale Teatro di Venezia. I libri di Kae sono stati tradotti in undici lingue e pubblicati con successo di critica in tutto il mondo. Kae nasce a Londra nel 1985, dove vive tuttora. La speranza di Kae è quella di continuare a mescolare parole per molto tempo.
Kae Tempest is a poet. They are also a writer, a lyricist, a performance and recording artist. They have published plays, poems, novels, non-fiction essays, released albums and toured extensively, selling out shows from Reykjavik to Rio de Janeiro. They received Mercury Music Prize nominations for both of the albums Everybody Down and Let Them Eat Chaos and two Ivor Novello nominations for The Book of Traps and Lessons. They were named a Next Generation Poet in 2014, a once in a decade accolade.They received the Ted Hughes Award for their long form narrative poem Brand New Ancients and the Leone D’Argento at the Venice Teatro Biennale for their work as a playwright. Their books have been translated into eleven languages and published to critical acclaim around the world. They were born in London in 1985 where they still live. They hope to continue putting words together for a long time.
ore/h 22.30
Melis Tezkan – 8938th song: With Nil Yalter
Live Works Fellow
Sala Comando – 45′
about the performance
8938th song: With Nil Yalter è una performance che ruota attorno a una playlist composta da registrazioni di conversazioni con Nil Yalter. Queste registrazioni spaziano attraverso vari momenti, catturando voci che hanno risuonato nel corso di molti anni. Sono istantanee tratte da viaggi, collaborazioni ed esperienze di convivenza, che catturano commenti, contraddizioni, rettifiche. Voci che approfondiscono le prospettive personali di Melis Tezkan e Nil Yalter sull’arte, sulla solidarietà, sul femminismo, sul concetto di casa e sulle varie forme che possono assumere l’amore, l’amicizia e la cittadinanza. Tutti aspetti che hanno a che fare con l’esperienza del tempo, con il linguaggio e con la memoria, in una prospettiva transgenerazionale.
musical composition, technical and artistic support : Ömer SarigedikMelis Tezkan è un’artista e regista di base a Parigi. Insieme a Okan Urun. È co-fondatrice del duo biriken, che impiega vari mezzi come teatro, performance, video, installazione e djing. Ha collaborato strettamente anche con Nil Yalter, insieme hanno concepito opere video e performance come Untitled (2009) e With Nil (2019). È attualmente docente presso l’Università di Belle Arti di Grenoble-Valence.
con il supporto di Fondazione Caritro
8938th song: With Nil Yalter is a performance piece that revolves around an intricately curated playlist, comprising conversations recorded with Nil Yalter. These recordings span across various moments, encapsulating voices that have resonated through years. They are snapshots of travel, collaboration, and cohabitation, capturing voices that comment, contradict, rectify. These voices delve into their personal perspectives on art, solidarity, feminism, love in diverse forms, companionships, citizenships, and the concept of home. All of these have obviously to do with the experience of time, the language and the recollection in a transgenerational perspective.
musical composition, technical and artistic support : Ömer SarigedikMelis Tezkan is an artist and director based in Paris. She is co-founder of the duo biriken, with Okan Urun. The duo uses various mediums such as theater, performance, video, installation, DJing. She also has collaborated closely with Nil Yalter. They conceived together video and performance works such as Untitled (2009), With Nil (2019). Tezkan currently teaches at the Grenoble-Valence Fine Arts University.
SABATO 20 LUGLIO – SATURDAY, 20 JULY
ore/h 19.30
Alessandra Ferrini – Unsettling genealogies
Live Works Fellow
Sala Mezzelune – 40′
about the performance
Unsettling Genealogies intreccia una serie di storie familiari con un’indagine sulla storia coloniale, la questione di classe e l’eredità della politica culturale fascista. L’opera riflette sull’istituzione della Mostra Internazionale del Cinema di Venezia, fondata da Giuseppe Volpi Conte di Misurata, Antonio Maraini e Luciano de Feo nel 1932, nonché sul coinvolgimento e l’intervento di Maraini e Volpi nelle edizioni della Biennale d’arte di Venezia durante il regime fascista. Queste considerazioni sono accostate alla storia di tre membri della famiglia Ferrini, impiegati presso Villa Maraini a Firenze negli anni ‘30 e ‘40 come lavoratori domestici. Portando alla luce una serie di storie personali e di eventi storici dimenticati, Unsettling Genealogies evidenzia la tensione che intercorre tra la sfera pubblica e quella privata.
Alessandra Ferrini è un’artista, ricercatrice ed educatrice di base a Londra. La sua ricerca sperimenta forme di ibridazione del documentario e interroga le eredità del colonialismo e del fascismo italiano. Vincitrice del Maxxi Bvlgari Prize 2022, ha esposto a livello internazionale, inclusa la 60ª Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia curata da Adriano Pedrosa.
Unsettling Genealogies interweaves a series of family stories with an investigation of colonial history, social class, and the legacies of Fascist cultural policy. The work reflects on both the establishment of the Venice International Film Festival, founded by Count Giuseppe Volpi di Misurata, Antonio Maraini and Luciano De Feo in 1932, and the involvement and intervention of Maraini and Volpi in the Venice Art Biennale during the Fascist regime. These considerations are juxtaposed with the history of three members of Ferrini’s family, who worked for the Maraini estate in Florence in the 1930s and 1940s as domestic workers. Bringing to light a range of minor personal stories, along with a number of forgotten or neglected historical events, Unsettling Genealogies highlights the tension between the public and private spheres.
Alessandra Ferrini is a London-based artist, researcher and educator. Her research experiments with the hybridization of the documentary film and questions the legacies of Italian colonialism and Fascism. Winner of the Maxxi Bvlgari Prize 2022, she has exhibited internationally, including at the 60th International Art Exhibition of La Biennale di Venezia, curated by Adriano Pedrosa.
ore/h 21.30
Mohamed-Ali Ltaief with Lamin Fofana and Tarxun – The concretely WE: Voices from within the camp
Live Works Fellow
Sala Comando – 50′
about the performance
The Concretely WE: Voices from within the camp (“Concretamente NOI: voci dal campo”) è un progetto di performance che cerca di riattivare e negoziare il significato degli archivi sonori nordafricani nella collezione del Berliner Phonogramm-Archiv. Ripercorre specificamente i primi archivi sonori fonogrammatici che furono commissionati e classificati durante gli anni ‘10 del ‘900, oggi conservati nella sezione di etnomusicologia del Humboldt Forum di Berlino. Questi archivi includono registrazioni realizzate dalla Real Commissione Fonografia di Prussia istituita da Wilhelm Doegen, Hans Stumme con l’assistenza di Robert Lachmann con persone prigioniere della Prima Guerra Mondiale, tra gli anni 1915 e 1918 nel campo di Half Moon a Wünsdorf (sud di Berlino). Alcune di queste erano tunisine, come Sadok Ben Rashid. Originario di Monastir, nell’area del sahel di Tunisi, di professione contadino, poeta e cantante, aveva 27 anni quando, nel 1916, esaminò diversi fonogrammi nel campo di prigionia di Wünsdorf. È molto probabile che fosse un soldato parte di quelle truppe nordafricane provenienti dall’Algeria, dal Marocco e dalla Tunisia che la Francia reclutava e aveva impiegato nelle principali battaglie in Europa, come la Marna e Ypres. In quest’ultima venne catturato dall’esercito tedesco e inviato a Wünsdorf insieme ad altri prigionieri africani, indiani e pakistani. La storia del protagonista Sadok si sovrappone a fatti storici e di finzione, nutrita dalla ricerca condotta tra le collezioni e gli archivi dei Musei statali e del Lautarchiv di Berlino, oltre che in contro-archivi, nonché dall’opera di Frantz Fanon, in particolare dalla piece teatrale “Parallel Hands” (1949). Nel suo lavoro, Fanon decifrava le conseguenze del colonialismo e come il fenomeno dell’alienazione fosse all’origine di varie forme di malattia mentale.
Rifiuto sonico esistenziale, il componimento di Sadock si presenta come una contro-narrazione autobiografica, una forma di resistenza, o piuttosto di sopravvivenza, che riconosce e solleva la nozione di etica ed estetica per coloro che solitamente impersonano il soggetto della voce.
Mohamed-Ali Ltaief è un artista e autore, nato a Tunisi e residente a Berlino dal 2013. Il suo lavoro esplora i concetti di temporalità, spazialità e geo-filosofia. È particolarmente interessato alle storie non consolidate dell’arte, perdute o dimenticate dalla storia universale della modernità. La sua pratica trae spunto da prospettive interdisciplinari, all’intersezione tra performance, teatro e arti visive, oltre a saggi e narrativa di finzione. Ltaief ha studiato filosofia a Tunisi, per poi laurearsi all’Accademia di Belle Arti di Tunisi e conseguire un MA in Spatial Strategies presso la Weißensee Academy of Art di Berlino. Nel 2011 ha co-fondato a Tunisi il gruppo artistico indipendente Ahl Al-Kahf (Seven Sleepers). Dal 2013, ha collaborato continuativamente con la compagnia teatrale Motus, contribuendo con performance, opere d’arte, voce e testi in Nella Tempesta (performance), Caliban Cannibal (performance) e Call me X (video-installazione) come parte del progetto 2011>2068 Animale Politico insieme a Silvia Calderoni. Ltaief ha presentato la performance Ghosts of Meaning al Present Is Not Enough Festival presso HAU2, Berlino, Germania (2019); Hundert Jahre Weinen oder Hundert Bomben Werfen, di cui è co-autore insieme a Darja Stocker, presso il Theater Basel, Svizzera (2019); la performance The Path of the Sun or the Bare Life, presso L’Art Rue, Madrassa El-Achouria, Medina di Tunisi, Tunisia (2021); la lecture-performance Poiesis, Praxis, and Cultures of Resistance or the non-established Histories of Art in Tunisia al Weaving the Inner Bark Festival, Archive Books Berlino, Germania (2023); e Parallel Hands—Co-Existence of Times and the Good Will to Listen, una performance per Mophradat consortium-commissions presso Tanzfabrik, Berlino, Germania (2024).
Lamin Fofana è un artista e musicista attualmente residente a New York. La sua musica mette a confronto la realtà del nostro mondo con ciò che sta oltre, esplorando temi e concetti di movimento, migrazione, alienazione e appartenenza. I suoi interessi sovrapposti per la storia e il presente, e la sua pratica di trasformazione del testo nel mezzo affettivo del suono, si manifestano in performance dal vivo multisensoriali e installazioni che uniscono composizioni musicali originali, field recording e materiali d’archivio. Le sue ultime release includono Ballad Air & Fire, Shafts of Sunlight e The Open Boat (una trilogia di album). Tra le sue recenti mostre ci sono JMW Turner with Lamin Fofana: Dark Waters (2022) presso Tate Liverpool, Inghilterra; Preis der Nationalgalerie (2021) presso ‘Hamburger Bahnhof, Berlino, Germania; a call to disorder (2021) presso Haus der Kunst, Monaco di Baviera, Germania; Life and Death by Water (2021) alla Biennale di Liverpool, Inghilterra; BLUES (2020) presso la Mishkin Gallery del Baruch College, City University of New York; Refracted Gazes/Fugitive Dreams (2019) presso Akademie Schloss Solitude, Stoccarda, Germania; WITNESS () alla 57ª Biennale di Venezia, Italia. Ha inoltre presentato le proprie performance a Documenta 14 (2017), Kassel, Germania e Atene, Grecia. Nel 2021, Fofana ha ricevuto il Grants to Artists dalla Foundation for Contemporary Arts ed è stato nominato per il National Gallery Prize in Germania. Fofana ospita un programma radiofonico mensile su NTS Radio, una stazione radio online con sede a Londra.
Tarxun (Farshad Xadjehnassiri) è un sound artist e ricercatore in urbanistica iranianodi base a Berlino. Ha studiato architettura, conseguendo una laurea presso l’Azad University di Teheran e un master in sound studies alla Berlin University of the Arts. Tarxun sfida attivamente i confini sfumati delle arti in modo performativo, attraverso opere che abbracciano musica elettroacustica e sound art. Tarxun ha presentato le proprie installazioni presso TADAEX (Teheran 2016), GAPS curatorial (Londra 2017, Teheran e Torino 2019), Virtual AMOUR (Berlin Art Week 2019). Si è inoltre esibito con performance soliste e in collaborazione con Pitheorem, Nina Guo, Leonie Roessler e Fausto Mujica, presso SETfest (Teheran 2017), Radiophonic Spaces HKW (Berlino 2019), Sonic Pluralities (Berlino 2022), Raqs (Amsterdam 2022) e Teheran Contemporary Sounds Festival (Berlino 2023). Tarxun ha realizzato opere per stazioni radio quali Cashmere Radio Berlin (2019), Radio Al-hara (2022) e WORM (2022).
THE CONCRETELY WE: VOICES FROM WITHIN THE CAMP is a performance project seeking to re-entangle and negotiate the meaning of North African sonic archives in the collection of Berliner Phonogramm-Archiv. It specifically retraces the early phonogram sound archives that were commissioned and classified during the 1910s, and are today settled in ethnomusicological collections stored at Humboldt Forum in Berlin. These archives include recordings made by the Prussian Royal Phonographic Commission established by Wilhelm Doegen, Hans Stumme, and assisted by Robert Lachmann with prisoners of the First World War, between 1915 and 1918 at the Half Moon camp in Wünsdorf (south Berlin). Some of these prisoners were Tunisian, like Sadok Ben Rashid; originary from Monastir (in the sahel area of Tunis), by profession a farm laborer, poet and singer, was 27 years old when he reviewed several phonograms in the prisoner-of-war camp in Wünsdorf (Germany) in 1916. Most likely, he was a soldier of those North African troops from Algeria, Morocco, and Tunisia that France recruited and used in major battles in Europe, such as at the Marne and Ypres, where he was captured by German soldiers and sent to Wünsdorf along with the African, Indian and Pakistani prisoners. The story of the protagonist Sadok overlaps with fact and fiction. It is informed by research conducted between the archive collections of the SMB museums Berlin, Lautarchiv Berlin, and other counter-archives, as well as Fanon’s oeuvre, including the play “Parallel Hands’ (1949). Through his work, Fanon deciphers the consequences of colonialism and his understanding of alienation that produced multiple forms of relational illness. Sadock’s existential sonic refusal/poem comes as an autobiographical counter-narrative, a form of resistance, or rather survival, acknowledges and raises the notion of ethics and aesthetics for those who usually impersonate the voice’s subject.
Mohamed-Ali Ltaief is an artist, and author, born in Tunis and has been living in Berlin since 2013. His work explores notions of temporalities, spatiality, and geo-philosophy; he is especially interested in the non-established histories of Art, lost or left behind by the single universal history of modernity. His practice draws from cross-disciplinary perspectives, at the intersection of performance, theater, and visual art, alongside essays and fiction. Ltaief studied philosophy in Tunis, graduated from Beaux-Arts of Tunis, and MA Spatial Strategies at Weißensee Academy of Art Berlin. In 2011 he co-founded in Tunis the independent art group Ahl Al-Kahf (Seven Sleepers). From 2013, he continuously collaborated with Motus Theater company, performed, artwork, voice and text in Nella Tempesta (performance), Caliban Cannibal (performance), and Call me X (video-installation) as a part of 2011>2068 Animale Politico Project with Silvia Calderoni on stage. Ltaief presented Ghosts of Meaning performance at the Present Is Not Enough Festival, HAU2, Berlin, Germany (2019), Hundert Jahre Weinen oder Hundert Bomben Werfen co-authored with Darja Stocker, theater Basel, Switzerland (2019), The Path of the Sun or the Bare Life performance, L’Art Rue, Madrassa El-Achouria, Medina of Tunis, Tunisia (2021), Poiesis, Praxis, and Cultures of Resistance or the non-established Histories of Art in Tunisia lecture performance, at Weaving the Inner Bark Festival, Archive Books Berlin, Germany (2023), and Parallel Hands—Co-Existence of Times and the Good Will to listen, performance, Mophradat consortium-commissions at Tanzfabrik, Berlin, Germany (2024).
Lamin Fofana is an artist and musician currently located in New York. His music contrasts the reality of our world with what’s beyond, and explores questions of movement, migration, alienation and belonging. Fofana’s overlapping interests in history and the present, and his practice of transmuting text into the affective medium of sound, manifests in multisensory live performances and installations featuring original music compositions, eld recordings and archival material. His latest releases include Ballad Air & Fire, Shafts of Sunlight, and The Open Boat (an album trilogy). Recent exhibitions include JMW Turner with Lamin Fofana: Dark Waters (2022) at Tate Liverpool, Liverpool, England; Preis der Nationalgalerie (2021) at Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany; a call to disorder (2021) at Haus der Kunst, Munich, Germany; Life and Death by Water (2021) at the Liverpool Biennial, Liverpool, England; BLUES (2020) at Mishkin Gallery at Baruch College, City University of New York; Refracted Gazes/Fugitive Dreams (2019) at Akademie Schloss Solitude, Stuttgart, Germany; WITNESS () at 57th Venice Biennale, Italy; and performances at Documenta 14 (2017), Kassel, Germany and Athens, Greece. In 2021, Fofana was awarded a Foundation for Contemporary Arts Grants to Artists and was nominated for the National Gallery Prize in Germany. Fofana hosts a monthly radio show on NTS Radio, an online station based in London.
Tarxun (Farshad Xadjehnassiri) is an Iranian Berlin-based sound artist and urban researcher. They studied architecture, BA from Azad University of Tehran and MA sound studies at Berlin University of the Arts. Tarxun actively vexes the blurred borders of crafts in a performative manner. Their works cover a spectrum of electro acoustic music and sound art. Tarxun had installations in TADAEX (Tehran 2016), with GAPS curatorial (London 2017, Tehran & Turin 2019), Virtual AMOUR (Berlin Art Week 2019), as well as solo and performances featuring Pitheorem, Nina Guo, Leonie Roessler and Fausto Mujica, in SETfest (Tehran 2017), Radiophonic Spaces HKW Berlin (2019), Sonic Pluralities (Berlin 2022), Raqs (Amsterdam 2022), and Tehran Contemporary Sounds Festival (Berlin 2023). Tarxun has produced works for radios such as Cashmere Radio Berlin (2019), Radio Al-hara (2022) and WORM (2022).
This project is commissioned as part of the Consortium Commission – a project initiated by Mophradat. It is also supported by Fondazione Caritro.
ore/h 22.30
Sama’ Abdulhadi – dj set
Live Works Guest
Turbine unite – 120′
volumi alti, presenza di luci stroboscopiche, presenza di fumo scenografico / high volumes, presence of strobe lights, presence of scenic smoke
about the performance
Sebbene Sama’ Abdulhadi sia la prima DJ palestinese ad ottenere riconoscimento internazionale, la sua carriera ha realmente preso il via quando ha lasciato la sua casa per esplorare la crescente scena techno di Beirut. La storia di Abdulhadi inizia a Ramallah, la capitale de facto della Palestina. Dopo essersi trasferita dalla Giordania, il suo luogo di nascita, ha inizialmente sviluppato un interesse per l’hip-hop e il rap, i generi alternativi predominanti della regione. Una predilezione per la musica si manifestava già in tenera età, ma è stata la componente tecnica a catturare la sua attenzione. Tornata in Palestina con una nuova comprensione della musica elettronica, ha introdotto il genere techno ispirando una comunità artistica locale che continua a prosperare nonostante le restrizioni geopolitiche imposte, come documentato nel cortometraggio 4:3 di Boiler Room, Palestine Underground. In una recente intervista con The Face, ha dichiarato: “È sempre stato così nel mondo arabo. Non sappiamo cosa ci riserva il domani, quindi si percepisce questa energia davvero intensa dal pubblico. Amo come i party e i festival possano scollegarti dalla realtà. Possono creare questa bolla utopica e catapultarti in un mondo diverso”. Il suo primo album completo è uscito nel giugno 2021 sulla nuova etichetta / compilation Circoloco, in collaborazione con Rockstar Games. Ha collaborato all’album The Atlas Underground Fire di Tom Morello, leggenda del gruppo Rage Against The Machine, frequente sostenitore della cultura del DJing e della solidarietà alla Palestina.
Nell’aprile 2023 Abdulhadi lancia Resilience, una piattaforma globale per persone attive nell’arte che condividono le loro storie e opere che ritraggono esperienze di marginalizzazione, sradicamento e oppressione e in cui possono raccontarsi ed amplificare le voci di individui e di comunità spesso ignorate nelle narrazioni mainstream. Abdulhadi è riconosciuta oggi come una delle DJ più conosciute al mondo (e come attivista culturale). Ha suonato in molti eventi di rilievo, inclusi Coachella, Glastonbury, Fusion, Circoloco, Lost Village, Primavera e il festival AVA di Belfast, Warung in Brasile e il leggendario Dance Arena del festival Exit in Serbia.
Although Sama’ Abdulhadi is the first Palestinian DJ to gain international recognition, her career really began when she left home for Beirut’s burgeoning techno scene. Abdulhadi’s story begins in Ramallah, Palestine’s de facto capital. Moving there from Jordan, her place of birth, she first connected with hip-hop and rap, the region’s foremost alternative genre. A penchant for music was evident at an early age, but it was the technical side that drew her in first. She returned to Palestine with a new understanding of electronic music, and brought with her the techno genre, inspiring a local community of artists that continues to flourish in the face of the geo-political restrictions imposed upon it as documented in the Boiler Room 4:3 short, Palestine Underground.
She said in a recent interview with The Face: “It’s always been like this in the Arab world. We don’t know what tomorrow holds so you feel this really intense energy from the crowd. I love how parties and festivals can disconnect you from reality. They can create this utopian bubble and just put you in a different world.” Her first full recording as Sama’ Abdulhadi came out in June 2021 on the new Circoloco label / compilation in partnership with Rockstar Games. She also collaborated with Rage Against The Machine legend Tom Morello, a frequent advocate of DJ culture and solidarity with Palestine, on his album The Atlas Underground Fire. April 2023 saw Abdulhadi launch Resilience, a global platform for artists and creatives to share their stories and artworks that depict experiences of marginalisation, displacement and oppression and where they can tell their stories and amplify the voices of individuals and communities often ignored in mainstream narratives. Abdulhadi now stands as one of the world’s most exciting DJs (and fearless cultural activists). She has played all over the world including Coachella, Glastonbury, Fusion, Circoloco, Lost Village, Primavera and Belfast’s AVA festival, Brazil’s Warung and Serbia’s Exit Festival legendary Dance Arena.
DOMENICA 21 LUGLIO – SUNDAY, 21 JULY
ore/h 19.30
Eloy Cruz Del Prado – Good job, Good boy II (sketch I)
Live Works Fellow
Turbina 2 – 40′
presenza di fumo scenografico / presence of scenic smoke
about the performance
Good Job, Good Boy II è una performance solista che indaga i temi dell’intimità, dell’immaginazione, delle strutture familiari e delle differenze di classe. Raccogliendo ricordi personali di giovinezza, desiderio queer e vita rurale, l’opera esplora la necessità di una continua ricerca di validazione all’interno del contesto del lavoro. Combinando auto-finzione e ripetizione, l’opera disseziona i meccanismi che plasmano il nostro senso di autostima, identità e appartenenza sociale. La rappresentazione di tre personaggi (il nonno, il mulo e l’autore stesso) opera un riesame dei modi in cui le esperienze personali si intersecano con strutture sociali più ampie e con narrazioni condivise.
Eloy Cruz del Prado (nato nel 1992 a Cenicientos, Madrid) è un artista visivo e performer di base ad Amsterdam. Laureato in Fine Arts and Design, la sua pratica abbraccia principalmente i linguaggi della performance, dell’installazione, del video e della scultura.
con il supporto dell’Ambasciata e Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi
Good Job, Good Boy II is a solo performance that delves into the themes of intimacy, imagination, family structures, and class difference. By gathering personal recollections of youth, queer desire, and rural life, the work explores an ongoing quest for validation, within the context of labor. Combining auto-fiction and repetition, the work dissects the mechanisms that shape our sense of self-worth, identity, and social belonging. The representation of three characters, (the grandfather, the mule, and the author himself) compose an examination of how personal experiences intersect with larger societal structures and shared narratives.
Eloy Cruz del Prado (b.1992, Cenicientos, Madrid) is a visual artist, an performer based in Amsterdam. Holding both a BA and MA in Fine Arts and Design, his practice spans mainly performance, installation, video, or sculpture.
ore/h 21.00
Sammy Baloji – Missa Utica
Live Works Guest
Sala Comando – 50′
about the performance
missa utica si propone di elaborare un nuovo capitolo di un corpus di lavori in evoluzione: Fragments of Interlaced Dialogues, che abbraccia diversi anni di ricerca e produzione artistica, sviluppata da Sammy Baloji in dialogo con una serie di oggetti provenienti dal Congo, raccolti in Europa negli ultimi cinque secoli e oggi conservati in vari musei. Dopo i capitoli dedicati a Firenze, Parigi e ad altre città chiave della storia del Congo, questo capitolo conduce l’artista a Utica, Tunisia, dove nel XVI secolo fu nominato il primo vescovo africano in seguito a numerosi scambi tra l’Europa cristiana e il Regno del Congo. In collaborazione con lo scrittore e poeta Fiston Mwanza Mujila e il musicista Pytshens Kambilo e la musicista Barbara Drazkov, l’attrice Bwanga Pilipili, Sammy Baloji crea un’opera che oscilla tra concerto, installazione e performance.
Sammy Baloji (nato nel 1978 a Lubumbashi, Repubblica Democratica del Congo) vive e lavora tra Lubumbashi e Bruxelles. Il suo lavoro sviluppa una costante ricerca sul patrimonio culturale, architettonico e industriale della regione del Katanga, interrogando gli effetti della colonizzazione belga. Le sue opere mettono in evidenza come le identità vengono formate, trasformate, distorte e reinventate.
Missa Utica aims to elaborate a new chapter in an evolving body of work : Fragments of Interlaced Dialogues, spanning several years of artistic research and production, developed by Sammy Baloji in dialogue with a range of Kongo objects gathered in Europe over the last five centuries and now collected in different museums. After chapters in Firenze, Paris and other key cities in Kongo’s history, this chapter leads the artist to Utica, Tunisia where, in the 16th century, the first African bishop was appointed following numerous exchanges between Christian Europe and the Kongo Kingdom. In collaboration with writer and poet Fiston Mwanza Mujila and musicians Pytshens Kambilo and Barbara Drazkov, actress Bwanga Pilipili, Sammy Baloji creates an artwork that oscilates between concert, art installation and performance.
Sammy Baloji (b. 1978 in Lubumbashi, DR Congo) lives and works between Lubumbashi and Brussels. His work is a ongoing research into the cultural, architectural and industrial heritage of the Katanga region, as well as a questioning of the effects of Belgian colonization. His work highlights how identities are shaped, transformed, perverted and reinvented.
ore/h 22.30
Liina Magnea – ssassin’s Creed (Lady says Stop)
Live Works Fellow
Turbine unite – 30′
presenza di linguaggio esplicito / presence of explicit language
about the performance
“ssassin’s Creed (Lady says Stop)” tratta delle conseguenze della follia delle persone il cui potere e la cui posizione sociale non vengono più dati per scontati: persone che si dichiarano vittime e cadono preda di una follia autoreferenziale o che si considerano capaci di migliorare il mondo e si proclamano figure profetiche prescelte. Le conseguenze di ciò possono andare dalla fondazione di sette all’essere completamente fuori controllo. Che tipo di persone colpevoli e cattive diventano per la contemporaneità, quando si sentono private del loro potere? Fino a quali estremi possono spingersi distruggendo o “facendo rivoluzioni”?
Ossessionata dall’idea del Gesamtkunstwerk immateriale, Liina Magnea mescola musica, movimento, drammaturgia cinematografica e l’atto di scrollare pagine su internet in una performance dinamica e mutevole. Ha studiato arte e coreografia e ha presentato il suo lavoro presso, tra gli altri, Volksbühne, Schirn Kunsthalle e KW Center for Contemporary Art. Prende parte ad altre opere in qualità di performer e lavora inoltre a supporto di persone che soffrono di dipendenze.
‘ssassin’s Creed (Lady says Stop)‘ deals with the consequences of the madness of people whose power and social position are no longer being taken for granted. They declare themselves to be victims and fall prey to a self-righteous madness. People who see themselves as world improvers out of their supposed lack and claim to be the prophetic chosen ones. The consequences of this can range from founding sects to running amok. What kind of contemporary perpetrators and villains do they become when they feel deprived of their power? To which extreme do they destruct or ‘revolutionise’?
Obsessed with the idea of the immaterial Gesamtkunstwerk, Liina Magnea combines music, movement, film dramaturgy and internet scrolling into a shape-shifting, dynamic performance. She studied art and choreography and has had her work shown at Volksbühne, Schirn Kunsthalle and KW Center for Contemporary Art among others. She performs for other artists and supports people suffering from addiction aswell.