Scrittura scenica transfrontaliera nella regione europea del Tirolo-Alto Adige-Trentino

EXHIBITION
a cura di/curated by Simone Frangi e Barbara Boninsegna

opening 18.07, ore /h 18.00

Caroline Achaintre
Chiara Bersani
Benni Bosetto
Rehema Chachage
Julien Creuzet
Sonia Kacem
Sandra Mujinga

Nell’ambito di Live Works Summit 2024, Centrale Fies inaugura il secondo episodio di una trilogia di mostre performative (2023-2025), a cura di Barbara Boninsegna e Simone Frangi, dedicate ai concetti espressi nella produzione teorica della pensatrice femminista neo-materialista Stacy Alaimo.

Dopo il primo episodio del 2023, incentrato sulla nozione di naked word (parola nuda), ci interrogheremo quest’anno sull’idea di material self (sé materiale) con cui Alaimo mette a tema, nel volume “Bodily Natures: Science, Environment, and the Material Self” del 2010, l’azione e il significato delle “forze materiali” e della loro interfaccia con i corpi umani.

Cercando di rispondere ai medesimi quesiti che Alaimo pone nel suo pensiero post-antropocentrico, critico nei confronti del superbo eccezionalismo umano – cosa significa “essere umani” con corpi che sono inestricabilmente interconnessi con il nostro mondo fisico? Come il corpo umano reagisce a forze materiali potenti e pervasive e registra i loro effetti sempre più dannosi ? – la mostra Material Self suggerisce che la “nuova” relazione tra corpi e la natura ha profondamente alterato il nostro senso di sé, creando un’inedita vicinanza del corpo umano all’ambiente e una rinnovata comprensione, di tipo relazionale, dei concetti di “casa”, “rifugio” e “abitare il mondo”.

Within the context of the Live Works Summit 2024, Centrale Fies launches the second episode of a trilogy of performative exhibitions (2023-2025), curated by Barbara Boninsegna and Simone Frangi, dedicated to the concepts expressed in the theoretical work of neomaterialist feminist thinker Stacy Alaimo. Following the first episode in 2023, which focused on the notion of the “naked word”, this year the idea of the “material self” will be investigated. This is a concept that Alaimo examined in her 2010 book “Bodily Natures: Science, Environment, and the Material Self”, framing the action and meaning of “material forces” and their interfaces with human bodies. The exhibition seeks to answer the same questions which Alaimo poses in her post-anthropocentric thinking, which is critical of the superb exceptionalism of humans: what does it mean to “be human” with bodies that are inextricably interconnected with the physical world? How does the human body react to powerful and pervasive material forces and register their increasingly damaging effects? Material Self suggests that the “new” relationship between bodies and nature has profoundly altered our sense of self, creating an unprecedented proximity of the human body to the environment and a renewed relational understanding of the concepts of “home”, “shelter” and “inhabiting the world”.

FILM AND PERFORMANCE EXHIBITION PROGRAM

GIOVEDÌ 18 LUGLIO – THURSDAY 18 JULY

18-19-20-21.07 – dalle ore/ from h 18.00
Julien Creuzet – mon corps carcasse / se casse, casse, casse (…)

video
Forgia – video HD, colore, audio, 7’37’’

_{entrata ed uscita libere durante il video} _{/ it will be possible to enter and exit freely during the video}

about the video

In un sapiente connubio di immagini e movimento, questo video fa vibrare l’Auditorium attraverso un dinamico e ipotonico medley di ritmi Afro-pop. Il video dal titolo “Mon corps carcasse (…)” è una collisione di suoni spezzettati e manipolati, sovrapposti a immagini d’archivio, oggetti animati in 3D e simboli. Ne emerge un vocabolario penetrante, carico di narrazioni dense che scaturiscono direttamente da una riflessione critica sull’inquinamento del suolo causato dall’uso massiccio del pesticida noto come clordecone. Estremamente tossico e cancerogeno, il clordecone è stato ampiamente utilizzato dal 1972 al 1993 in Martinica e Guadalupa da importanti industrie francesi e americane nella coltivazione di banane, nonostante durante lo stesso periodo il suo impiego fosse severamente vietato nella Francia continentale. Lo scandalo ha causato una catastrofe ambientale che ha contaminato fiumi, piante, animali e terreni, causando gravi problemi di salute alle popolazioni locali. Il video mescola e sovrappone la bandiera francese, alberi di banane che pulsano ritmicamente nella foresta tropicale, onde di monete d’oro, globuli rossi, organi e pillole, corpi pixelati che danzano osservati attraverso un filtro rosso sangue. Le immagini si alternano tra sequenze con un’estetica che richiama i videogiochi e i videoclip degli anni ‘90, mentre il loro susseguirsi sfida qualsiasi classificazione narrativa lineare. È un lavoro tanto poetico quanto oggettivo, che rivela un legame inscindibile tra l’avvelenamento coloniale sia dei corpi che dei territori.

Julien Creuzet è un artista di origine franco-caraibica, nato nel 1986, che vive e lavora a Montreuil. Artista visivo e poeta, intreccia attivamente queste due pratiche attraverso assemblaggi di scultura, installazione e intervento testuale che spesso affrontano la sua esperienza diasporica. Ispirato dalle riflessioni poetiche e filosofiche di Aimé Césaire ed Édouard Glissant sulla creolizzazione e la migrazione, il lavoro di Creuzet si focalizza sulla problematica intersezione tra la storia della Martinica e gli eventi della modernità europea. Julien rappresenterà la Francia alla 60ª Biennale di Venezia nel 2024 e le sue opere sono attualmente esposte in una mostra personale al Magasin CNAC di Grenoble (FR). Il lavoro di Julien Creuzet è stato esposto a LUMA, Arles & Zurigo (FR & CH); Camden Art Center, Londra (UK); Centre Pompidou, Parigi (FR); Palais De Tokyo, Parigi (FR); CAN Centre d’Art Neuchâtel, Neuchâtel (CH); Fondation d’Entreprise Ricard, Parigi (FR); Bétonsalon, Parigi (FR) e presso altre istituzioni.
Ha partecipato a numerose mostre collettive istituzionali come Performa Biennial 2023 (US); 35ª Biennale di São Paulo (BR); 12ª Biennale di Liverpool (UK); Museum of Contemporary Art Chicago (US); Musée Tinguely, Basilea (CH); National Gallery of Prague (CZ); Wesleyan University Center for the Arts, Middletown (US); Manifesta 13, Marsiglia (FR); Musée d’Art Moderne de Paris (FR); Biennale di Kampala (UG); Biennale di Gwangju (KR). Le sue opere sono parte di prestigiose collezioni che includono, tra le altre, Centre Pompidou (FR); CNAP (FR); MMK Museum (DE); Fondation Villa Datris (FR); Fondation d’Entreprise Galeries Lafayette (FR); Fonds d’Art Contemporain, Parigi (FR); FRAC (Bourgogne, Champagne-Ardenne, Grand Large, Ile-de-France, Méca, Pays de la Loire, FR); Carré d’Art-Musée d’Art Contemporain (FR); Kadist Foundation (US). Creuzet è stato insignito del Premio Etants Donnés 2022, del BMW Art Journey Award 2021, del Camden Arts Centre Emerging Artist Prize di Frieze nel 2019 e nominato nel 2021 per il Premio Marcel Duchamp.

A masterful blend of images and movement, this video sets the Auditorium abuzz with a dynamic, hypnotic medley of Afro-pop rhythms. The video entitled Mon corps carcasse (…) is a collision of chopped and screwed sounds with overlays of archive images, 3D animated objects, and symbols. A loaded and insightful vocabulary emerges. It is a dense narrative that springs directly from a critical reflection on the soil pollution caused by the mass use of the pesticide chlordecone. Extremely toxic and carcinogenic, it was widely used from 1972 to 1993 in Martinique and Guadeloupe by major French and American industrial companies to grow bananas, while it was strictly forbidden in mainland France during that same period. The scandal resulted in an environmental disaster that contaminated rivers, plants, animals, and land while also causing severe health problems for local populations. The video superimposes the French flag, banana trees pulsating rhythmically in a tropical forest, waves of gold coins, blood cells, organs and pills, and pixelated bodies dancing as seen through a blood-red filter. The images alternate between sequences with a video- game aesthetic and video clips from the 1990s, their succession defying any linear narrative classification. It is a work that is as poetic as it is factual, revealing an inseparable link between the colonial poisoning of both bodies and territories.

Julien Creuzet is a French-Caribbean artist, born in 1986, who lives and works in Montreuil. A visual artist and poet, he actively intertwines these two practices via amalgams of sculpture, installation and textual intervention that frequently address his own diasporic experience. Inspired by the poetic and philosophical reflections of Aimé Césaire and Édouard Glissant on creolization and migration, Creuzet’s work focuses on the troubled intersection of the history of Martinique and the events of European modernity. Julien represents France at the 60th Biennale de Venezia in 2024 & has currently a solo show at the Magasin CNAC in Grenoble (FR). Julien Creuzet’s work has been exhibited at LUMA, Arles & Zurich (FR & CH); Camden Art Center, London (UK); Centre Pompidou, Paris (FR); Palais De Tokyo, Paris (FR); CAN Centre d’Art Neuchâtel, Neuchâtel (CH); Fondation d’Entreprise Ricard, Paris, (FR); Bétonsalon, Paris, (FR) and more. He has participated in numerous institutional group exhibitions as the Performa Biennal 2023 (US) ; 35th São Paulo Bienal (BR); 12th Liverpool Biennial (UK); Museum of Contemporary Art Chicago (US); Musée Tinguely, Basel, (CH); National Gallery of Prague, (CZ); Wesleyan University Center for the Arts, Middletown, (US); Manifesta 13, Marseilles, (FR); Musée d’Art Moderne de Paris (FR); Kampala Biennale (UG); Gwangju Biennale (KR). His work is part of prestigious collections as the Centre Pompidou (FR); CNAP (FR); MMK Museum (DE); Fondation Villa Datris (FR); Fondation d’entreprise Galeries Lafayette (FR); Fonds d’art Contemporain, Paris (FR); FRAC (Bourgogne, Champagne-Ardenne, Grand Large, Ile-de-France, Méca, Pays de la Loire, (FR); Carré d’Art-Musée d’art contemporain (FR); Kadist Foundation (US) among others. Creuzet is the recipient of the 2022 Etants Donnés Prize, the 2021 BMW Art Journey Award, the 2019 Camden Arts Centre Emerging Artist Prize at Frieze and nominated in 2021 for the Marcel Duchamp Prize.

18.07 – ore/h 18.30
Rehema Chachage – A home for you I will create with exit pathways
Galleria Trasformatori – 40′

FREE ENTRY

about the performance

Cosa significa veramente sentirsi appartenenti a un luogo? Cosa alimenta questa connessione innata, questa spontanea armonia tra sé stessi e l’ambiente? E quali sono le circostanze che danno origine a questo sentimento di sentirsi ‘a casa’? “Nitakujengea Kinyumba, na Vikuta Vya Kupitia” (Una casa per te creerò, dotata di vie d’uscita), pone queste domande al centro dell’attenzione. Con il suo progetto, Chachage si addentra nella complessità e diversità del fenomeno del radicamento, performando sulla scia di narrazioni e ricordi ereditati per via matrilineare—quelli di Nankondo, Bibi Mkunde e Mama Demere. Al cuore della performance sono la natura transitoria di questa sensazione e le sue implicazioni politiche intrinsecamente fragili. Lo spazio della performance funge sia da palcoscenico che da punto di incontro mentale: Chachage crea meticolosamente un ambiente associativo impiegando un’accurata selezione di materiali naturali, all’interno dei quali vengono incisi ricordi di storie, canzoni, rituali e tradizioni orali. Attraverso la sua performance, Chachage interagisce attivamente con questo ambiente, esplorando il ruolo del proprio corpo e delle sue interazioni con gli altri nella ricerca di un senso di casa. Tuttavia, la natura effimera del mezzo della performance sottolinea l’idea che qualsiasi sentimento di appartenenza è indefinito e passibile di interruzioni in qualsiasi momento.

Le opere di Rehema Chachage fanno parte di una pratica espansa, che accoglie la collaborazione con sua madre e sua nonna attraverso una ricerca basata sui processi. Insieme, creano un “archivio performativo” che “colleziona” e “organizza” in modo non tradizionale storie, pratiche, rituali e altre tradizioni orali in diversi media: performance, fotografia, dispositivi olfattivi, video, saggi e testi, oltre a installazioni materiche. Tali opere esplorano spesso il disseppellimento della storia, dello spazio e del corpo – o le modalità attraverso le quali il corpo e la terra ricordano – utilizzando metodi che impiegano narrazione, matrilinearità, modalità alternative di fare e conoscere, nonché altre metodologie sia incarnate che istintive.

What does it truly mean to feel a sense of belonging in a place? What nurtures this innate connection, this spontaneous harmony between oneself and the environment, and what are the circumstances that give rise to this feeling of being at ‘home’? In “Nitakujengea Kinyumba, na Vikuta Vya Kupitia” (A Home for You I Will Create, with Exit Pathways), these inquiries are at the forefront. Through her project, Chachage delves into the complexity and diversity of the phenomenon of rootedness by performing alongside narratives and memories inherited from her matrilineage—those of Nankondo, Bibi Mkunde, and Mama Demere. Central to the performance is the transient nature of this sensation and its inherently fragile political implications. The performance space serves as both a stage and a mental nexus: Chachage meticulously crafts an associative environment using a curated selection of natural materials, within which memories from stories, songs, rituals, and oral traditions are etched. Through her performance, Chachage actively engages with this environment, navigating the role of her body and its interactions with others in the quest for a sense of home. Yet, the fleeting nature of performance as a medium underscore the idea that any feeling of belonging is indefinite and susceptible to disruption at any moment.

Rehema Chachage has an expanded practice which extends to her mother and grandmother through process-based research. Together, they create a ‘performative archive’ which untraditionally ‘collects’ and ‘organizes’ stories, practices, rituals and other oral traditions in different media; performance, photography, olfactory, video, essays and text, as well as physical installations. These have often explored the unearthing of history, space, and the body (how the body and the land remember) by using methods that employ storytelling, the matriline, alternative ways of doing and knowing, as well as other methodologies which are both embodied and instinctual.

18.07 – ore/h 19.30
Benni Bosetto – Babau & Brouny
Galleria Trasformatori – 30′

FREE ENTRY

about the performance

Due figure umane rivestite da elementi botanici: foglie, fiori e rami, si muovono nello spazio scambiando gesti di cura e affetto. Sono maschere che si fondono l’una con l’altra e proiettano l’attenzione verso uno sguardo che sconfina e fonde il corpo con l’ambiente che lo circonda. Attraverso la mimesi ed un processo di tipo animistico eco femminista Bosetto ritrae un atto d’amore tra figure ibride e mostruose, riprendendo l’immaginario dalle antiche tradizioni folcloristiche pagane e carnevalesche. Babau proviene dalla mitologica figura fiabesca europea dell’uomo nero, l’orco, il mostro immaginario dalle caratteristiche indefinite. Le piante selezionate dall’artista infatti sono le stesse che vedeva dalla finestra della sua cameretta le quali nell’oscurità notturna si trasformavano ai suoi occhi in splendide figure mostruose. Uno strutturale animismo irriflessivo e inconsapevole che diventa strumento per offrire una differente visione della natura e per un approccio all’amore di tipo univoco e interspecie.

Benni Bosetto (1987, Merate) vive e lavora a Milano. Si è laureata all’Accademia di Belle Arti di Brera, Milano, e ha studiato al Sandberg Instituut, Amsterdam. Le sue recenti mostre personali includono Emanuela Campoli, Milano; MAMbo Museo d’Arte Moderna, Bologna, (2022); Almanac, Torino (2020); Kunstraum, Londra (2019); Fonderia Battaglia, Milano (2018); Convento de los Domenicos, Eivissa (2017); Tile Project Space, Milano (2016). Le sue recenti mostre collettive includono Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene; Triennale di Milano, Castello di Rivoli, Torino; (2023) MAXXI L’Aquila (2022); GAMEc, Bergamo (2022); Galleria Civica, Trento (2021); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (2021); Quadriennale d’arte, Palazzo delle Esposizioni, Roma (2020); Palazzo Re Rebaudengo, Guarene (2020); Villa Medici, Roma (2019); Artissima Special Project, Torino (2019); MAMbo, Bologna (2019); OGR, Torino (2018); Fondazione Baruchello, Roma (2018).

Two human figures covered in botanical elements: leaves, flowers, and branches, move through the space sharing gestures of care and affection. They are masks merging into one another and focusing their attention on a gaze that stretches beyond the body, melting it into the surrounding environment. Through mimesis and a process akin to animistic eco-feminism, Bosetto portrays an act of love between hybrid and monstrous figures, drawing from the iconography of ancient pagan and carnivalesque folklore traditions. “Babau” comes from European fairy tale tradition, inspired by the mythological figure of the bogeyman, the ogre, the imaginary monster with indefinite characteristics. The plants selected by the artists are the same ones she saw from the window of her childhood bedroom, which in the darkness of the night transformed into stunning monstrous figures in her eyes. A structural, reflexive and unconscious animism that becomes a tool to offer a different vision of nature, towards a unique and interspecies approach to love.

Sound design Vito Gatto

Benni Bosetto (1987, Merate) lives and works in Milan. She graduated from the Academy of Fine Arts of Brera, Milan, and studied at the Sandberg Instituut, Amsterdam. Recent solo exhibition include Emanuela Campoli, Milan; MAMbo Museo d’Arte Moderna, Bologna, (2022); Almanac, Turin (2020); Kunstraum, London (2019); Fonderia Battaglia, Milan (2018); Convento de los Domenicos, Eivissa (2017); Tile Project Space, Milan (2016). Her recent group exhibitions include Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Guarene ; Triennale di Milano, Castello di Rivoli, Torino; (2023) MAXXI L’Aquila (2022) ; GAMEc, Bergamo (2022) ; Galleria Civica, Trento (2021); Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome (2021); Quadriennale d’arte, Palazzo delle Esposizioni, Rome (2020); Palazzo Re Rebaudengo, Guarene (2020); Villa Medici, Rome (2019); Artissima Special Project, Turin (2019); MAMbo, Bologna (2019); OGR, Turin (2018); Fondazione Baruchello, Rome (2018).

VENERDÌ 26 LUGLIO – FRIDAY 26 JULY

26.07 – ore h/ore 19.00 e/and 22.30
Chiara Bersani – Deserters
Forgia – 60′

_{ph_Finn Curry, courtesy Kunsthaus Baselland 2023}

TICKET

about the exhibition and the performance

Deserters è un’installazione pensata come un dispositivo multimediale e performativo composto da diverse parti in relazione tra loro. La performance messa in scena sul grande tappeto disegnato dall’artista non può esistere senza il tappeto stesso e senza l’ambiente sonoro che la accompagna. A questi elementi si aggiunge una serie di disegni, raffiguranti dei corpi non conformi, incastonati all’interno di superfici tessute appese alle pareti. Il titolo si rifà alle parole di Virginia Woolf nel saggio On Being Ill (1926). Con la malattia, si legge nel saggio, “smettiamo di essere soldati nell’esercito degli eretti; diventiamo disertori”. L’invito dell’artista è infatti quello ad abbandonare la posizione verticale, propria di una sedicente condizione di salute e conformità, per adottare una diversa prospettiva comune. Il tappeto annodato a mano – realizzato grazie alla collaborazione con l’azienda CC-tapis – elabora graficamente la narrazione performativa: l’intreccio di corpi e tralci vegetali rimanda direttamente alle azioni dei performer, mentre le lunghe frange di filato, poste sui quattro lati del tappeto, invadono l’ambiente invitando il pubblico ad addentrarsi nello spazio scenico. Parallelamente la serie delle opere a parete – dove le superfici tessute risultano nettamente più grandi, sproporzionate, rispetto alle dimensioni dei disegni che contengono – rimanda alla presenza dei corpi reali sulla scena, prendendone idealmente il posto nel momento in cui questi sono assenti.

Le creazioni di Chiara Bersani nascono sempre in dialogo con lo spazio che le ospita e sono rivolte prevalentemente a un pubblico prossimo alla scena. Oltre a costituire una nuova sfida per l’autrice, il tappeto, le parti sonore e soprattutto i disegni/oggetti realizzati per questa occasione, sono un modo per tenere fede al principio della prossimità in assenza dei corpi reali che definiscono la scena stessa. Deserters espone corpi disabili chiamati a lasciare un segno del proprio passaggio sul grande tappeto che li include e figurativamente li rappresenta. I gesti e i gemiti generati da questo incontro minano gli stereotipi legati alla sfera intima, identitaria e sessuale, che colpiscono di frequente le persone con disabilità, attribuendo alla presenza del corpo sulla scena – il corpo vulnerabile in rappresentanza di tutti i corpi esistenti – una valenza politica.

Per il rigore nell’incarnare questo studio le viene attribuito il Premio UBU come miglior nuova attrice/performer under 35 del 2018. Nell’agosto 2019 durante l’Edimburgh Fringe Festival Gentle Unicorn e Chiara Bersani vincono il primo premio per la categoria danza del Total Theatre Awards. Chiara Bersani è artista sostenuta dal circuito apap – Advancing Performing arts project – Feminist Future, un progetto cofinanziato dal Programma Europa Creativa dell’Unione Europea, fino al 2024.

Chiara Bersani is an Italian performer and author active in the field of performing arts, research theater and contemporary dance. As an interpreter and as a director / choreographer moves through different languages and visions. Her works, presented in international circuits, are born as creations in dialogue with spaces of different nature and are mainly aimed at a “neighbor” to the scene. Her research as an interpreter and author is based on the concept of the “Political Body” and the creation of practices aimed at training its presence and action. The “manifest” work of this research is Gentle Unicorn, a performance included in the Aerowaves platform. For the rigor in embodying this study she is awarded the UBU Award for best new actress / performer under 35 for 2018. In August 2019, during the Edinburgh Fringe Festival, Gentle Unicorn and Chiara Bersani won the first prize in the dance category of the Total Theater Awards. Chiara Bersani is an artist of apap – Advancing Performing arts project – Feminist Future, a project co-funded by the Creativnde Europe Programme of the European Union, until 2024.